In our continuing effort to bring film photography education to everyone in the world we came up with a bunch of new strategies.
One of the many ideas that came to mind was creating a repository of images associated with a couple of the more used currently available film stocks. Needless to say there are a million factors affecting an image besides the particular film stock used (over/underexposure, type of light on the scene, scanning preferences requested, etc), but still we believe there are some main qualities that shine in some particular film stocks and we thought it’s a great idea for everyone to be able to grasp them by taking a quick glimpse through our favorite stuff that has come through the lab.
Of course this isn’t meant to be a « scientific » film stock visual dictionary ’cause we don’t have light meter readings for each photo and how much (if any) overexposure was applied by each photographer. But still, we do feel there is a common thread in all images.
For the particular film stock we’re featuring today (Kodak Ektar 100) these common characteristics are quite obvious: very strong saturation and high contrast.
Kodak Ektar is actually a tricky film and it’s no coincidence we decided to make it our first featured film on the blog. Famous for being « the world’s finest grain » and at 100 ISO it’s a typical go-to film for beginners and/or amateurs. But make no mistake, this film needs to be very carefully exposed or else it won’t deliver the results we feature here.
Most of these examples are metered for shadows (incident light hitting the shadow area), a few have overexposed this shadow metering and a few with very harsh light seem to have made an estimate between metering to highlights and shadows. Kodak Ektar looks great when correctly metered for shadows, but it can get extremely contrasty and otherworldly saturated if very overexposed, so if you’re used to overexposing the hell out of Fuji 400H relax, this is a totally different beast.
While we couldn’t recommend it per se as a « portrait » film due to it’s high saturation it can effectively be used for human subjects providing you appreciate orangy or redish skintones, but hey, it’s no coincidence this film is called Ektar, since it’s meant to be a substitute for the now discontinued Kodak Ektachrome slide film, and if you remember that film those were some serioulsy saturated skintones (and nobody ever complained!). Of course if you want peachy and creamy skin tones we now have Kodak Portra and Fuji 400H films that are specifically designed for that (among other sutff). It is true however that when color correcting in-scanner for very red skins the backgrounds can get a little cyan, but hey that’s part of the Ektar magic, learn to appreciate if you’re gonna use it 😛
So yeah, you guessed it right: Kodak Ektar is a winner in landscape photography and generally in any scenes with high contrast and vivid colors.
Hope you appreciate these examples we compiled for you. We sneaked in two of our staff member’s photos… hope you don’t mind. Hey, we’re photographers too and some of us love Ektar!
Enjoy and hope this compilation is useful 😉
Pentacon Six TL + Kodak Ektar 100
photo by Pedro Terrinha
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/KodakEktar-Contax645-Mosbacher-CarmcencitaFilmLab-2.jpg942700carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-05-28 19:21:422026-05-28 19:21:44Gros plan sur la pellicule Kodak Ektar
Ever wonder how film is actually manufactured? It’s no secret that analog photography is getting more and more popular, so we can’t help but ask: what does this all mean for the film supply? Fortunately, Smarter Every Day has given us an inside look at the Kodak plant in Rochester, New York, where we can see firsthand the inner workings of their film production!
We truly enjoyed every single bit of it, and we hope you do too! (A bit of Charlie and the Chocolate Factory vibes).
THE SCIENCE BEHIND IT
We have been following Smarter Every Day for a long time, and if you are a geek like us, we are sure you will love it as well. This Youtube channel showcases the science and technology behind everyday things. In this series, they give us a thorough look at the various stages of film production–from the initial raw materials to the finished product–, the emulsion-coating process, quality control, and packaging.
Given how nerdy we are about this content, you can only imagine how ecstatic we were when their notification for the Kodak factory tour popped up on our devices! Perhaps this post is more appealing to engineers that love film photography or photographers that love engineering. In any case, let’s begin!
PART 1
PART 2
–
PART 3
–
OUR THOUGHTS
Understanding the complexities of film manufacturing helps us appreciate the art and science behind every roll of film, and see how precious it is to be able to shoot film!
The fact that film photography is still being made today is a testament to the dedication and passion of those who work in the industry. And it’s why, as photographers, we like to cherish every shot we take on film, knowing that it’s the result of a process that is both complex and beautiful. Every roll counts!
We hope this blog post strikes your curiosity and inspires you to understand more about the medium we dedicated ourselves to.
If you want to learn more, be sure to check out Smarter Every Day‘s YouTube channel. Whether you’re a film photography enthusiast or just curious about how it’s made, these videos are a must-see!
BONUS
Destin actually started this series featuring the work of a lab visiting our friends at Indie Film Lab! We work a little different, but it’s a great way to learn more about film!
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/HowFilmIsMade-A-SmarterEveryDay-CarmencitaFilmLab.png22924480carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-20 20:32:062026-04-20 20:32:06Comment Kodak fabrique-t-il la pellicule ? Smarter Every Day !/0 Commentaires/dans Article technique/par carmencita
D’accord, cela fait un moment que nous voulions expliquer quelques points techniques sur l’argentique qui, nous en sommes convaincus, changeront la compréhension de beaucoup de personnes sur la pellicule et l’exposition.
Très bien, respirez un grand coup car tout cela est simple, mais parfois difficile à expliquer par écrit.
Le fait est que l’exposition sur pellicule (contrairement à la photographie numérique) n’est pas du tout équivalente à la luminosité globale d’une image. Par exemple, dans le monde du numérique, quand quelqu’un parle d’une image surexposée, on imagine instantanément une image claire, toute blanche, avec (probablement) des hautes lumières brûlées. Dans le monde de l’argentique, ce n’est pas nécessairement le cas.
La latitude du film couleur est immense. Environ 2 à 3 diaphragmes pour la sousexposition et jusqu’à 6 pour la surexposition (selon le type de pellicule). De plus, les hautes lumières brûlées sont littéralement impossibles sur pellicule (directement à la sortie du scanner).
Ajoutez à ces caractéristiques géniales le fait que la luminosité peut être contrôlée lors du processus de numérisation.
Dès lors, ces règles empiriques « surexposé = blanc éclatant » et « sousexposé = noir sombre » commencent à avoir moins de sens, n’est-ce pas ?
Alors, pourquoi tout ce foin autour de la « surexposition d’un diaphragme », etc., dont on entend parler partout sur Internet ?
D’accord, nous avons reçu tellement de questions à ce sujet et nous avons fait tellement de retours à nos clients sur Wetransfer que nous avons décidé de faire quelques prises de vue pour vous montrer comment cela fonctionne.
Voici un cliché de notre collègue Héctor, pris avec de la pellicule Fuji 400H et un appareil moyen format Contax 645.
Nous avons mesuré la lumière avec notre posemètre à main (lumière incidente) sous son menton, la cellule vers le photographe. Ce cliché sera considéré comme notre exemple « de référence » ou « sensibilité nominale », ce qui signifie qu’il a été pris à 400 ISO sans sur ou sous-exposition.
À partir de là, nous avons pris des photos par incréments d’un diaphragme, jusqu’à 6 diaphragmes en dessous (tout à gauche) et jusqu’à 6 diaphragmes au-dessus (tout à droite… oui, 1/15 à main levée à f/2 !).
Nous les avons ensuite numérisés sur notre Fuji Frontier SP3000 au même niveau de luminosité (important).
Assurez-vous de cliquer sur les images pour les agrandir et même sur l’icône en haut à droite pour la taille réelle 😉
Voici le spectre complet des 13 diaphragmes du test
Zoomons maintenant sur le côté de la surexposition
Et enfin, le côté sousexposition du test. (oui, le -6 a été la photo de profil d’Héctor pendant un moment 😛 )
Nous avons fait la même chose pour ces clichés de notre collègue Gloria, mais cette fois dans une situation d’éclairage totalement différente et sur de la pellicule Kodak Portra 400.
Quelles conclusions peut-on tirer de ce test ?
Eh bien… tout d’abord… 6 diaphragmes de surexposition ? Et le résultat est toujours incroyable ? C’est plutôt génial.
Dans l’ensemble, il semble y avoir un plus grand nombre de clichés exploitables du côté de la surexposition que du côté de la sousexposition. Alors, qu’est-ce que cela nous dit ? La pellicule ADORE la surexposition. Contrairement à ce qui se passe en photographie numérique, avec la surexposition, la pellicule devient un peu plus saturée et vous obtenez plus de détails dans les ombres, mais certainement pas de hautes lumières brûlées ou d’images « toutes blanches ». C’est pourquoi on peut affirmer sans risque que si vous hésitez entre deux valeurs d’exposition possibles, vous serez toujours plus en sécurité du côté « sur » que du côté « sous ».
Il faut également noter que la sousexposition fait ressortir le grain et les dérives chromatiques, tandis qu’une surexposition extrême rendra les images plates, sans contraste, avec des hautes lumières magenta ou jaunes.
Encore une fois, rappelez-vous que pour ces tests, nous avons numérisé toutes les images avec une luminosité égale, c’est pourquoi vous obtenez une image à -6 pleine d’ombres granuleuses et une image à +6 moins lumineuse que ce à quoi on pourrait s’attendre. Ainsi, les images sousexposées peuvent être éclaircies en « remontant » les ombres granuleuses (bonjour le look VSCO !) et les images surexposées peuvent être « assombries » pour ne pas paraître hyper blanches.
Gardez également à l’esprit que ces images ont été numérisées puis publiées SANS RETOUCHE. Il va sans dire qu’avec des retouches très basiques, le cliché à -1 peut être rendu presque identique à celui exposé correctement et, par exemple, le -3 peut être numérisé plus sombre et légèrement retouché pour paraître plus « clair-obscur », mais vous voyez l’idée, n’est-ce pas ? (sans mauvais jeu de mots ;))
Cela fait beaucoup d’informations à digérer !
Nous espérons que cela clarifie certains doutes que beaucoup de nos clients nous ont soumis et que cela vous a aidé d’une manière ou d’une autre à avoir plus de confiance lors de vos prises de vue, tout en vous rapprochant du rendu que vous souhaitez pour vos scans.
Bonnes prises de vue !
L’équipe Carmencita
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.png00carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-18 10:27:392026-04-18 10:27:39Comment l’exposition affecte la pellicule
Nous espérons que vous passez (ou êtes sur le point de passer) d’excellentes vacances de printemps, de joyeuses fêtes de Pâques ou une belle Semana Santa (comme nous l’appelons en Espagne).
Aujourd’hui, à la demande générale, nous aimerions consacrer un petit article à une pellicule tout à fait unique pour de nombreuses raisons : voici la CineStill 800T.
Cette pellicule a été créée par The Brothers Wright, qui ont permis d’adapter à un usage photographique standard (et au développement C41 classique) les incroyables émulsions utilisées par l’industrie du cinéma.
En retirant la couche anti-halo « remjet » de la pellicule de cinéma Kodak 500T (et grâce à des tests approfondis), ils ont réussi à adapter cette émulsion exceptionnelle (que vous avez vue dans d’innombrables films hollywoodiens) pour qu’elle puisse être traitée avec une chimie C41 classique, puis scannée et/ou tirée comme les pellicules « habituelles » que nous utilisons tous régulièrement.
La CineStill 800T a été testée à 800 ISO et est équilibrée pour la lumière artificielle (tungstène), ce qui signifie que, par défaut, elle restitue les lumières tungstène comme un blanc neutre (qui serait traditionnellement rendu jaune sur toutes les autres pellicules C41, lesquelles sont équilibrées pour la lumière du jour). Bien sûr, la magie du C41 permet une grande « interprétation » des couleurs, et nous avons ainsi vu des résultats assez incroyables en l’utilisant à la lumière du jour sans aucun filtre.
Dans la section F.A.Q. du site web de CineStill, The Brothers Wright ont compilé une multitude d’informations concernant l’exposition appropriée et toutes les découvertes qu’ils ont faites sur cette superbe nouvelle pellicule.
D’après notre expérience, cette pellicule fonctionne très bien sous de nombreux types d’éclairage, mais elle surpasse vraiment les autres pellicules C41 équilibrées pour la lumière du jour lors de prises de vue dans des situations de lumière artificielle, qu’il s’agisse de tungstène, de fluorescent ou d’un mélange des deux !
En tant que laboratoire, nous avons vu toutes sortes de tests réalisés par des clients depuis que la CineStill a commencé à être commercialisée en Europe, et nous avons constaté qu’une erreur courante consiste à penser que les 800 ISO et l’excellente reproduction des lumières artificielles permettent de s’affranchir de tout, ce qui n’est pas forcément le cas… nous avons toujours besoin d’une mesure correcte, les amis ! Les meilleurs résultats que nous ayons vus proviennent de clients qui mesurent avec un posemètre à main (donc en lumière incidente) à 400-800 ISO, ou qui effectuent une mesure réfléchie/spot avec l’appareil, mais pour les ombres. Une mesure évaluative intégrée à l’appareil pour des situations complexes de lumière artificielle peut très facilement fausser la mesure et vous amener à sous-exposer votre pellicule à des niveaux qui ne permettront pas de tirer le meilleur de ce film.
Une « erreur » courante que nous avons observée consiste à pousser cette pellicule à 1600, 3200 ou 6400 ISO et à utiliser les mêmes valeurs que celles qu’un appareil numérique vous donnerait pour ces ISO. Comme pour tout traitement poussé (PUSH), il doit y avoir une source de lumière de « qualité » sur le sujet. Si ce n’est pas le cas et qu’il n’y a qu’une lumière ambiante très faible, ces 2 diaphragmes de poussée chimique ne feront pas ressortir vos sujets, même si, théoriquement, la lecture du posemètre est correcte. Encore une fois, cela arrive aussi lorsque l’on pousse de la Portra 400 et cela est lié au comportement des noirs, des ombres et des hautes lumières lors d’un traitement chimique poussé (l’explication est assez longue, vous pouvez en lire plus à ce sujet ici).
Alors oui, mesurez pour les ombres et/ou surexposez (comme avec n’importe quelle pellicule C41) et vous obtiendrez des résultats incroyables dans les situations de lumière les plus variées possibles !
Ah, et au fait : nous avons du nouveau stock de CineStill 800T disponible dans notre boutique de films en ligne, alors sortez et faites des tests !
Nous avons fait une petite compilation de quelques-uns de nos clichés CineStill préférés que nous avons développés et scannés récemment.
Nous espérons que vous les apprécierez et nous souhaitons de joyeuses Pâques à tous !
Les appareils photo jetables ne reçoivent pas assez d’amour, alors nous avons pensé prendre un moment pour mettre en lumière l’un de nos appareils photo jetables préférés : les appareils photo jetables noir et blanc d’Ilford. Ilford propose actuellement deux versions de ceux-ci, utilisant l’un de leurs films N&B C-41 : le XP2 Super, ou le véritable N&B HP5 Plus. Les deux sont des films ISO 400. Ces petits appareils disposent également d’un flash intégré et peuvent prendre jusqu’à 27 poses. Nous avons récemment décidé de faire notre propre petite virée avec le XP2 et voici nos impressions !
Pour commencer, nous aimons le look de cet appareil photo ! La plupart des appareils photo jetables ne sont pas aussi élégants ou rétro que celui-ci, et nous adorons ça ! Nous sommes également fous du poids (ou de son absence) de l’appareil photo jetable XP2 d’Ilford. Généralement, lorsque vous photographiez avec un boîtier argentique classique (qu’il s’agisse de 35 mm ou de moyen format), il aura très probablement un certain poids. Mais avec un appareil jetable, vous pouvez oublier que vous transportez un appareil photo. C’est une façon insouciante de capturer de beaux souvenirs en noir et blanc 🙂
par Birgit Hart
L’appareil photo jetable XP2 utilise un film noir et blanc qui peut être facilement développé selon le processus C41 standard. Tout cela signifie simplement que vous pouvez faire développer le film dans n’importe quel magasin de photo local ou laboratoire photo capable de développer du film couleur ordinaire. Développement moins cher, pas de poussière et une plage dynamique élevée !
Nous avons testé ce petit appareil en lumière intérieure et extérieure et nous avons constaté que le film XP2 offre un contraste incroyable et une latitude d’exposition extrêmement large, ce qui le rend adapté à une variété de conditions d’éclairage. Certains diront que cet appareil est plus performant en extérieur par forte lumière, mais nous avons découvert que si vous utilisez le flash en intérieur, vous serez agréablement surpris par la qualité des résultats obtenus en intérieur également ! (conseil de pro : utilisez le flash quelles que soient vos conditions d’éclairage ! Vous ne pouvez pas vous tromper en l’utilisant et il donnera un éclat supplémentaire à votre image !)
par Joe Newmarch
Nous avons également constaté que vous obtiendrez un léger vignettage sur votre film, ce qui signifie que les bords ne seront pas nets, mais honnêtement, nous ne pensons pas qu’ils aient besoin de l’être. Ce résultat délicieux ajoute une unicité et du caractère à l’image et, associé au film noir et blanc, le rend tout simplement intemporel !
Notre équipe a adopté sans retenue ce petit bijou amusant, portable, emballé dans du plastique et rempli de film noir et blanc, et nous n’en avons tout simplement jamais assez ! C’est une façon amusante et différente de se lancer dans la photographie noir et blanc. C’est également idéal pour ceux qui veulent se lancer dans la photographie argentique mais sont intimidés par la courbe d’apprentissage, ou même pour ceux qui ont oublié à quel point la photographie argentique est amusante !
par Kathleen Frank
Selon notre expérience, nous pouvons affirmer sans aucun doute que c’est le cadeau parfait, à offrir comme à recevoir. Vous avez un ami qui part en long voyage et vous voulez lui offrir quelque chose de significatif ? Vous organisez une fête d’anniversaire pour quelqu’un ? Vous avez un ami qui aime la photographie mais ne prend jamais vraiment de photos ? Peut-être voulez-vous capturer les coulisses de votre prochain atelier ?
Il ne fait aucun doute que l’appareil photo jetable Ilford est un moyen idéal de capturer ces moments avec une touche intemporelle en noir et blanc. Nous étions terriblement excités quand Ilford a annoncé ces appareils jetables en 2012, et nous devons admettre que, petit à petit, nous avons appris à les aimer. En fait, chaque fois qu’il y a un événement au laboratoire, nous devons en commander en gros ! Non pas pour les vendre, mais pour les utiliser nous-mêmes 🙂
C’est un joli retour aux jours d’antan, quand les appareils photo jetables étaient rois et qu’il fallait attendre une bonne semaine après être rentré à la maison pour voir ses souvenirs de vacances. Mais plus important encore, c’est notre façon préférée de capturer sans souci les souvenirs les plus ordinaires de nos vies, qui, le plus souvent, sont les plus uniques.
par Kathleen Frank
*Vous voulez plus d’informations comme les spécifications de cet appareil photo jetable, telles que la focale, l’ouverture, et plus encore ? Consultez les informations techniques d’Ilford ici.
Nous aimons les bonnes fêtes et, lorsque nous avons appris que la gamme Portra s’apprêtait à célébrer l’an prochain son vingtième anniversaire (lancée en 1998 !), nous nous sommes dit que c’était l’occasion de faire le point (et ensuite, peut-être, de lever notre verre) sur la gamme Portra de Kodak. Kodak Portra a proposé une variété d’émulsions dans cette gamme, dont certaines sont abandonnées, mais dont trois sont désormais des incontournables pour les photographes argentiques comme nous chez Carmencita, et vous aussi. Nous allons passer en revue ces trois références qui raflent la mise dans la gamme Portra de Kodak : Portra 160, Portra 400 et Portra 800 ISO.
Comme la plupart d’entre vous le savent sans doute, la très célèbre Kodak Portra est une famille de films négatifs couleur professionnels équilibrés pour la lumière du jour, conçus pour restituer les meilleurs tons de peau possibles dans pratiquement toutes les situations de lumière imaginables, ce qui les rend parfaits aussi bien pour le portrait que pour la photographie sociale. Ces films sont réputés pour produire des tons de peau naturels, des couleurs idéales, un grain plus fin, et sont disponibles en 35 mm, 120 (moyen format) et en plans-films grand format. Les gammes Portra sont connues pour leur chaleur naturelle (Portra 160 présente des sous-tons rouges et bruns, tandis que Portra 400 a des sous-tons orangés et jaunes). Cela signifie que les couleurs seront rendues différemment d’autres films, comme le très connu Fuji 400H. La différence se voit le plus nettement dans les verts. Les verts des gammes Portra ont tendance à être plus chauds, tandis que ceux du Fuji 400H sont un peu plus froids. Cela dépend bien sûr de la situation de lumière, mais c’est généralement la règle.
Kodak a fait parler de lui il y a quelques années lorsqu’il a introduit une nouvelle version du Portra 400, qui a remplacé les versions NC (« natural color ») et VC (« vivid color ») fin 2010. Le nouveau film intégrait un nombre d’avancées technologiques issues de la gamme Kodak Vision pour films cinéma, et a essentiellement fusionné les versions NC et VC. Les résultats du nouveau Portra 400 ont suscité un véritable engouement, peut-être d’abord avec un peu de réticence. Aujourd’hui, il est salué pour sa latitude et sa technologie Vision-3. L’un de nos exemples préférés des améliorations apportées à la gamme Portra se trouve sur le blog de Jonathan Canlas, où il a photographié en Portra 400, l’a exposé à 3200 et l’a poussé de 3 diaphragmes au développement. Les résultats sont spectaculaires et nous vous encourageons à consultez-le afin de constater à quel point ce film est flexible en faible luminosité. La gamme Portra n’a pas seulement bénéficié d’incroyables améliorations technologiques ; sa palette de couleurs a également rendu cette série populaire pour le portrait et le travail éditorial.
Exposer la Portra
Voici quelques recommandations que nous appliquons lorsque nous photographions avec ces émulsions, et qui, selon nous, permettent de les exposer (jeu de mots assumé !) sous leur meilleur jour. (Astuce : si vous avez besoin de plus d’informations sur l’exposition, nous vous recommandons vivement de lire (et de voir les résultats de quelques tests que nous avons réalisés) un ancien article que nous avons écrit sur l’impact de l’exposition sur le film. Cet article illustre visuellement la latitude du film couleur et devrait vous aider à comprendre le rôle essentiel que joue l’exposition en photographie argentique. )
Portra 160
Avec cette émulsion, nous avons constaté que les avis sont partagés : ceux qui l’ont essayée l’adorent passionnément ou la détestent tout autant. Cependant, le consensus général tend à dire qu’il s’agit d’un excellent film pour le portrait. Les tons de peau (clairs comme foncés) sont doux et naturels, et le grain est extrêmement fin. En revanche, chez Carmencita, nous avons constaté que la marge est étroite quant à la surexposition ou la sous-exposition possible. Si vous la surexposez trop, elle tend à ressembler à Ektar, très lumineuse, percutante, et avec des tons de peau moins flatteurs. Elle nécessite également une scène bien éclairée. Donc, si vous n’avez pas encore essayé cette émulsion et que la météo annonce des journées ensoleillées, nous vous recommandons d’en prendre quelques rouleaux pour tester !
Ahhhhhhhh Portra 400. Qu’y a-t-il à ne pas aimer ? Cette émulsion est l’une des plus utilisées et des plus polyvalentes du marché lorsqu’il s’agit de conditions de lumière changeantes. Elle est utilisée par presque tout le monde, des photographes argentiques établis et reconnus à ceux qui débutent. C’est un incontournable de votre réserve de films et, franchement, il n’y a pas une seule chose à ne pas aimer dans cette émulsion. Portra 400 offre d’excellentes couleurs ; elle est suffisamment rapide pour la grande majorité des usages ; et son grain est assez fin pour que sa sensibilité ne se trahisse que rarement.
En plus de tout cela, elle est amusante, facile, notamment parce que sa latitude en surexposition comme en sous-exposition est remarquable. Vous pouvez tout faire avec. La surexposer de deux diaphragmes donne un rendu superbe (lumineux et coloré) et la sous-exposer d’un diaphragme fonctionne aussi très bien (plus sombre et contrasté). Gardez à l’esprit que si vous surexposez Portra 400 de plus de deux diaphragmes, le film peut devenir un peu plus jaunâtre que d’habitude ; surexposez donc avec prudence. Cette émulsion adore aussi être poussée. En fait, si vous devez choisir entre Portra 800 et Portra 400 dans une situation donnée, nous vous recommandons d’utiliser Portra 400 et de la pousser si nécessaire. Elle adorera, et en retour nous l’aimons pour cela.
Si vous vous trouvez dans une situation ensoleillée et que vous avez de la Portra 800 sous la main, vous ne serez pas déçu. Cette émulsion est divine si vous la surexposez, même de 4 diaphragmes ! Divinement hors du commun : les couleurs tendent un peu vers Ektar (percutantes et vibrantes), tout en parvenant à conserver des tons de peau incroyables. En revanche, si vous la sous-exposez, ce n’est pas joli du tout. Elle devient rapidement granuleuse et restitue des couleurs ternes. Même la pousser ne la sauve pas entièrement. Il est essentiel de savoir que Portra 400 est basée sur la technologie Vision 3, alors que Portra 800 ne l’est pas ; c’est pourquoi il existe des différences majeures dans la manière dont ces deux films gèrent la sous-exposition.
Par conséquent, le marquage « ISO 800 » est souvent trompeur : même si elle fait le travail à 800, nous ne pensons pas qu’elle donne le meilleur d’elle-même à cette sensibilité. En réalité, nous constatons que pousser Portra 400 d’un diaphragme donne généralement des résultats plus satisfaisants que de photographier Portra 800 à sa sensibilité nominale.
Comprendre quand pousser un film est un outil formidable à avoir dans votre sac lorsque vous êtes en faible luminosité ou lorsque vous souhaitez un rendu plus percutant. D’après notre expérience, la gamme Portra de Kodak gère magnifiquement la poussée lorsqu’elle est photographiée dans des environnements bien éclairés. Nous allons donc détailler les résultats de chacune lorsqu’elles sont poussées par votre labo.
(Vous pouvez en savoir plus sur la poussée des films dans un ancien article que nous avons écrit il y a quelques années.)
Portra 160 et Portra 400 se poussent toutes deux très bien dans un environnement bien éclairé. Portra 160 exposée à 320 et poussée d’un diaphragme est assez incroyable. Portra 400 exposée à 800 et poussée d’un diaphragme est tout aussi excellente. Dans les deux cas, la poussée augmentera le contraste de vos images, en rehaussant les hautes lumières et en réduisant le détail dans les noirs. L’image paraîtra plus lumineuse grâce au contraste et aux hautes lumières plus marquées ; si c’est le rendu que vous recherchez, parfait ! Mais gardez à l’esprit que vous ne pourrez pas revenir à un rendu à faible contraste une fois le film poussé. Gardez également en tête qu’il y aura des effets secondaires : grain accru, dérives de couleur dans les ombres, et une perte générale de détails dans les zones les plus sombres de l’image. Une sensibilité ISO plus élevée n’est pas gratuite 😉
La poussée peut sauver la mise, à condition de savoir ce que vous faites. En revanche, si vous ne savez pas ce que vous faites, les résultats de la poussée risquent d’être loin d’être souhaitables. Des questions ou des doutes sur la poussée ? N’hésitez pas à nous appeler ! Nous sommes toujours prêts à vous aider à répondre à vos questions et à dissiper vos doutes !
(Astuce : si vous êtes en faible luminosité et que vous n’avez que de la Portra 400, exposez-la à 800 et demandez à votre labo de la pousser d’un diaphragme. Pendant la prise de vue, gardez à l’esprit d’où vient la lumière et comment votre sujet est éclairé ; visez les hautes lumières et les tons moyens, et oubliez les ombres.)
Portra 800 a été créée pour les situations de faible luminosité, et elle est très pratique pour cela. Cependant, c’est la seule de la gamme Portra que nous jugeons la moins adaptée à la poussée, en raison de la technologie qui la sous-tend. Comme nous l’avons mentionné plus tôt, nous estimons que Portra 800 brille vraiment lorsqu’elle est surexposée ; toutefois, elle fait aussi le travail lorsqu’elle est exposée à 1250 et poussée d’un diaphragme.
Les palettes de couleurs de chacune des gammes Portra varient d’une émulsion à l’autre. Mais globalement, la gamme Portra est connue pour avoir des hautes lumières légèrement jaunâtres avec une transition vers des ombres légèrement bleutées. Comparée à certaines émulsions de la gamme Fuji, la gamme Portra est réputée pour de meilleurs jaunes, rouges et violets ; tandis que Fuji offre de meilleurs bleus, oranges et magentas. Dans cette section, nous allons détailler simplement chaque émulsion de la gamme Portra afin que vous puissiez voir la différence par vous-même.
Portra 160
Portra 160 est décrite comme ayant une palette de couleurs naturelle, avec une faible saturation et un faible contraste. Elle offre des couleurs époustouflantes, une grande netteté et un grain très fin. Elle semble presque idéale pour le portrait, car elle restitue des tons de peau fidèles et des résultats constants lorsqu’elle est correctement exposée, alors qu’avec Ektar vous pouvez obtenir des tons de peau façon tomate. Comme la plupart des films, Portra 160 adore être surexposée, mais pas trop ; et si vous la sous-exposez, les ombres peuvent prendre une influence légèrement bleutée.
Portra 400 à sa sensibilité nominale offre un rendu très naturel et neutre, mais elle peut aussi paraître chaude, lumineuse et saturée lorsqu’elle est surexposée. Ce film gère magnifiquement les tons de peau, ainsi que les paysages naturels, et à 400 ISO il est très pratique lorsque la lumière change. Portra 400 a une palette plus chaude, tandis que Fuji 400H a une palette beaucoup plus froide. Portra 400 tend davantage vers le jaune, et Fuji 400H tire plus vers le vert et transforme ses bleus en teintes plus turquoise. Encore une fois, il existe beaucoup de légendes urbaines sur le rendu final de chaque film, et la vérité est qu’aujourd’hui, si vous ajoutez de la retouche à n’importe quelle émulsion, vous pouvez lui donner un aspect très différent de son rendu naturel. Alors, cela signifie-t-il que vous ne verrez jamais une photo chaude prise sur Fuji ? Non : nous voulons simplement dire que la « chaleur » peut aller davantage vers des tons magenta que vers des tons jaunes.
Portra 800 a une saturation plus élevée et est légèrement plus granuleuse que ses homologues, mais elle assure lorsqu’il s’agit de conditions de lumière difficiles et de couleurs vives. Les couleurs de Portra 800 ont une intensité merveilleuse et les noirs sont très profonds. Elle est idéale pour capturer des couleurs éclatantes et restitue des tons de peau si crémeux que cette émulsion fondra comme du beurre sur votre écran. Beaucoup de photographes adorent cette émulsion, son seul inconvénient étant son coût.
(À garder à l’esprit : si vous photographiez Portra en 35 mm, il y aura une augmentation du grain et une légère perte de profondeur des couleurs, mais si vous photographiez en moyen format, cela n’a pas vraiment d’importance.)
Exemples de Portra 800 :
Conclusion
Nous savons que nous avons abordé beaucoup de choses dans cet article et, si vous êtes arrivé jusque-là, tapez dans la main du premier humain à proximité ! Nous espérons que les informations que nous avons fournies vous seront utiles et, au cas où vous ne vous souviendriez pas de tout, voici un petit résumé de chaque émulsion de la gamme Portra :
Portra 160
Faible saturation
Grain extrêmement fin
Contraste moyen
Idéale pour un éclairage contrôlé
Moins flexible en exposition
Portra 400
Saturation moyenne
Grain fin
Contraste moyen
Idéale pour la plupart des conditions d’éclairage
Très adaptée à la poussée
Portra 800
Saturation plus élevée
Grain fin
Netteté superbe
Une grande marge de surexposition
Idéale pour des couleurs vives tout en conservant de beaux tons de peau
Jusqu’à présent, nous n’avons pas rencontré de film que nous n’ayons pas aimé, et la gamme Portra ne fait pas exception. Entre Portra 160, Portra 400 et Portra 800, vous disposez d’une variété d’options pour différents rendus et conditions d’éclairage. Chaque émulsion de la gamme Portra est polyvalente, unique à sa manière, et se complète avec les autres. Si vous n’en avez pas essayé une (ou aucune !) de la gamme Portra, commande en une immédiatement et mettez-vous à photographier et à créer de superbes images ! Vous ne serez pas déçu par l’expérience, et certainement pas par les images incroyables que vous créerez !
En tant que photographe argentique, nous pensons qu’il est bon de connaître les tenants et aboutissants de votre pratique, ainsi que les outils et techniques à votre disposition. Cela dit, ne devenez pas dingue : une bonne lumière vaut son pesant d’or (ou, dans ce cas, de film) et elle donnera un rendu incroyable sur presque toutes les émulsions. Cela ne signifie pas que, parce que vous choisissez une émulsion plutôt qu’une autre, toutes vos images seront superbes. Tout dépend fortement de la qualité de la lumière avec laquelle vous travaillez.
Cela dit, nous pensons que chaque émulsion a sa propre personnalité et que, lorsqu’elle s’accorde avec l’esprit de votre travail, c’est le match parfait !
Le plus important, comme toujours, est de continuer à photographier, de continuer à jouer, de continuer à repousser les limites et de continuer à explorer ! Tout ce que vous savez et vivez finira par se traduire et se refléter dans votre propre travail, et cela ne le rendra que plus intéressant pour ceux qui le regardent = )
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.png00carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-18 09:25:302026-04-18 09:25:42Introduction à la famille Portra/0 Commentaires/dans Article technique/par carmencita
Notre objectif d’être utile et d’apporter l’éducation à la photographie argentique à tous est profondément ancré dans notre ADN, nous voulons répondre à la question que nous avons entendue d’innombrables fois, surtout en magasin. « Quelles sont les principales différences entre Kodak 400TX et Kodak 400T-Max ? Même sensibilité 400 ISO, emballage presque identique et nom similaire… Et ce n’est que sur l’aspect externe qu’ils sont similaires. Ces deux pellicules ont été produites dans des buts différents, à des périodes différentes et ont été conçues autour de technologies significativement différentes.
Kodak 400TX
Le Kodak 400TX ou Tri-X est sans aucun doute le film N&B le plus emblématique que Kodak possède et nous pouvons dire avec une certaine certitude que c’est le film noir et blanc le plus populaire actuellement disponible. Le fait que le Kodak 400TX ait été ramené d’entre les morts (nous pensons de la même manière que Jon Snow) a également contribué à accroître sa renommée. Il y a même eu des photographes qui ont réclamé son retour !
Le Tri-X est sorti en formats 35 mm et 120 en 1954 et est devenu l’un des films les plus populaires utilisés par les photojournalistes et les amateurs. L’une des principales raisons est simplement son extrême polyvalence, pouvant être utilisé dans une multitude de situations lumineuses. C’est un film à contraste moyen, ce qui signifie que sous une lumière douce, il donnera un peu plus de punch et dans une situation de contraste élevé, vous pourrez récupérer des détails des hautes lumières et des ombres. Cela dit, s’il est surexposé, il commencera à devenir plus contrasté !
Le TX n’est pas « exceptionnellement » net, mais il n’a pas non plus besoin de l’être. En fait, trop de netteté est aujourd’hui associée à la photographie numérique et nous avons constaté que c’est souvent un inconvénient sur les films plus récents/plus nets comme le T-Max, il semble en fait « trop parfait ».
Maintenant, parlons de son grain. Oh, quel grain ! Sa structure de grain cubique en fait pour la plupart des photographes la prunelle de leurs yeux. Le grain du film Kodak 400TX ne pourrait jamais être reproduit par aucun support numérique. Au format 35 mm, son grain est très présent, mais aussi très agréable. Au format moyen 120, il est significativement réduit tout en conservant une saveur unique.
En résumé, le 400TX est destiné à chérir le caractère analogique, cette nostalgie qui nous envahit chaque fois que nous voyons des images des années dorées des photographes de Magnum. Le grain sera très naturel à votre œil, il ne sera pas parfait, certains noirs pourraient être un peu trop forts parfois, mais qui a besoin de détails partout ? Sortez, faites des erreurs, shootez d’abord et réfléchissez ensuite, utilisez votre intuition et ne posez pas trop de questions, c’est pour nous ce que ce film incarne 🙂
Le Kodak T-Max 400 a été lancé à l’origine en 1987 et a été reformulé en 2007 pour offrir un grain encore plus fin et une netteté accrue. Ce film a été créé avec la technologie d’émulsion T-Grain qui est basée sur l’utilisation maximale de l’émulsion dans la distribution de l’argent dans le film sous forme tabulaire. Comme nous l’avons expliqué dans l’ Article HP5 vs Delta 400, les pellicules qui utilisent cette technologie (telles que Delta, Acros, T-Max) ont des cristaux plats au lieu des films traditionnels (comme HP5, Tri-X, Rollei RPX) dont l’émulsion est composée de cristaux ronds. La planéité des cristaux et donc leur meilleure distribution permettent une plus grande absorption de la lumière par quantité d’argent au sein de l’émulsion. Ainsi, la plus grande surface des grains en T offre des films qui produisent des images plus nettes et un grain plus fin par rapport à un film à grain conventionnel de même sensibilité. Et c’est pourquoi le Kodak T-Max 400 est proclamé comme le film noir et blanc 400 ISO le plus net et au grain le plus fin, offrant aux photographes un niveau de clarté normalement disponible avec des films moins rapides. C’est la principale raison pour laquelle les photographes qui aiment ce rendu net et propre l’utilisent, plutôt que le look classique « granuleux » du 400TX ou du HP5+.
Un autre point à souligner est que, également grâce à la technologie T-Grain, le T-Max retient plus de détails dans les ombres et les hautes lumières que le 400TX qui a tendance à privilégier les tons moyens. Cette caractéristique confère au T-Max une excellente réponse lorsqu’il est poussé pendant le processus de développement, de sorte que le contraste sera gérable dans les situations de contraste élevé et qu’il conservera plus d’informations des ombres. Si vous n’êtes pas familiarisé avec le terme pousser, vous pouvez en savoir plus sur ce processus ici.
Eh bien, c’est là qu’intervient la nouvelle technologie, nous constatons que le T-Max gère étonnamment bien la surexposition, même à +4 stops ! Non pas que ce soit quelque chose que vous voudrez faire, MAIS cela vous indique la quantité de détails dans les hautes lumières qu’il peut conserver. La sous-exposition n’est pas un miracle, mais Kodak conseille le même temps de développement pour le 400 ISO et le 800 ISO (ce qui équivaudrait à pousser de +1 stop).
Les transitions sont généralement beaucoup plus douces, tant en raison du grain que de la plage dynamique, et en ce qui concerne cette dernière, il surpasse clairement son grand frère TX. Nous pouvons donc clairement comprendre pourquoi Kodak a voulu s’en débarrasser, car sur le papier, le TX est (ne nous tuez pas) une émulsion « inférieure ».
Comme nous l’avons mentionné précédemment, il n’y a vraiment pas de bataille ici, même Kodak en fait la publicité. « Le film le plus net à 400 ISO ». À l’époque, la netteté était un enjeu majeur, surtout pour le film 35 mm, et le T-Max était la réponse à une demande. Si l’on considère que les ventes de films se comptaient par millions, avoir un produit supérieur à celui de son rival sur les étagères pouvait facilement faire la différence. Alors oui, le T-Max surpasse le TX sans aucun doute.
De notre point de vue, le T-Max est destiné à ceux qui visent vraiment à créer des images de haute qualité, à ceux qui n’apprécient pas trop le grain et à ceux qui recherchent des transitions de gris douces. Ou d’un autre côté, à ceux qui veulent/aiment/ont besoin d’un film N&B rapide et qui veulent toujours utiliser Kodak.
À bien des égards, le T-Max est « meilleur » (nous avons l’impression d’abuser des « guillemets » dans cet article) que le bon vieux TX, mais avec l’avènement du numérique, pour beaucoup, le T-Max est trop parfait et ce n’est pas la raison pour laquelle ils utilisent le film. Mais aussi, assez drôle, certains utilisent le manque de grain du T-Max pour le pousser en 35 mm jusqu’à 1600 par défaut, grâce à un meilleur contrôle du grain et des détails dans les ombres, vous obtiendrez une ambiance contrastée avec ce film « doux » si vous réduisez son ISO. Nous ne sommes toujours pas sûrs que ce soit fait pour cela, mais ce n’est pas un hasard si le PMax3200 porte le même nom (sauf pour le P, que beaucoup disent signifier « Push »). Pourrions-nous dire que le PMax3200 est le même film que le 400 T-Max mais avec un temps de développement différent ? Est-ce la vraie vie ? Nous ne mettons pas notre main au feu pour cela, mais ils partagent certainement une grande partie de la même technologie.
Nous avons mis toutes nos connaissances sur la table et c’est maintenant à vous de décider ce que vous en faites ! (S’il vous plaît, ne nous quittez pas) Au final, comme toujours, le choix vous appartient. Nous ne le répéterons jamais assez, même si vous voyez des images en ligne, lisez des blogs ou des articles, le mieux est d’essayer par vous-même, et même de développer par vous-même ! Si vous n’avez pas essayé ces deux films noir et blanc que nous avons mentionnés ici, nous vous encourageons vivement à le faire et vous verrez lequel correspond le mieux à votre style.
Vous avez encore des questions sur le Kodak 400TX ou le Kodak 400T-Max ou un autre film noir et blanc ? Vous êtes en désaccord total avec ce que nous venons de dire ? N’hésitez pas à nous le faire savoir !
À l’origine, nous avons créé ce blog pour vous aider (et aussi pour mettre en avant le travail incroyable de certains de nos clients et amis). Aujourd’hui, à travers cet article, nous espérons clarifier la différence entre deux concepts cruciaux dans le monde de la pellicule : la mesure de lumière (metering) et l’indice de pose (rating). Nous avons souvent entendu et lu des confusions à ce sujet et, comme ils sont essentiels pour comprendre et bien utiliser le film, il nous a semblé de notre devoir de préciser la distinction entre ces deux notions souvent mal employées.
L’indice de pose (Rating)
Chaque film possède une sensibilité ISO, qui signifie « International Organization for Standardization ». L’ISO indique la sensibilité nominale d’une pellicule (par exemple, pour Fuji 400H l’indice de sensibilité ISO est de 400). Cet indice est utilisé pour indiquer la quantité relative de lumière nécessaire pour obtenir une exposition correcte pour ce film donné. Il existe aujourd’hui des films dont la sensibilité varie de l’ISO 25 à l’ISO 3200. Mais quelle est la différence entre tous ces ISO disponibles, me direz-vous ?
Quelques pellicules avec différents ISO.
Nous nous ferons un plaisir de vous l’expliquer 🙂 Un film standard typique (disons l’Ektar) aura un indice de 100 ISO. Cet indice 100 indique qu’il a besoin de BEAUCOUP de lumière. Utilisez donc ce petit bijou dans l’environnement le plus lumineux possible. À l’inverse, un film de 200 ISO (comme la Kodak Gold) donnera une exposition correcte avec seulement la moitié de la quantité de lumière par rapport à un film de 100 ISO comme l’Ektar.
Utiliser de la Kodak Gold à 200 ISO, au lieu de l’Ektar à 100 ISO, vous permettra de photographier avec moins de lumière, ou avec une ouverture plus petite, ou encore une vitesse d’obturation plus rapide. Il en va de même pour la Fuji 400H ou la Portra 400, vous pouvez utiliser ces films de 400 ISO dans des conditions de lumière encore plus faibles.
La plupart des films de 400 ISO (et ceux ayant des ISO plus élevés) sont qualifiés de films « rapides » car ils nécessitent moins de lumière pour produire une image. En résumé, plus le chiffre ISO est élevé, plus l’environnement dans lequel vous pouvez photographier peut être sombre.
MAIS, si vous pratiquez l’argentique depuis un certain temps, vous avez peut-être entendu parler de certains individus malicieux qui prennent de la Fuji 400 et, au lieu de l’exposer à sa sensibilité nominale (la « box speed ») de 400 ISO, choisissent de l’exposer à 200 ISO. STUPEUR ! Que font-ils donc ?! Eh bien, ces personnes choisissent de « noter » (rating) la sensibilité du film à une valeur différente de l’ISO indiqué sur la boîte ou la cartouche. Et devinez quoi ? C’est tout à fait possible ! Certains films sont même plus performants lorsqu’on les expose différemment de ce qui est prescrit ou recommandé par le fabricant. Ainsi, lorsque vous prenez un film de 400 ISO (comme la Fuji 400 ou la Portra 400) et que vous « réglez » votre appareil sur 200 ISO, vous demandez en réalité à votre appareil de ralentir l’exposition et de surexposer le film. Et inversement, si vous utilisez un film de 400 ISO mais que vous réglez votre appareil sur 800, vous lui demandez d’exposer plus rapidement et donc de sousexposer le film. L’indice de pose (rating) signifie simplement que vous indiquez à votre appareil (ou à votre cellule à main) à quel ISO vous souhaitez exposer votre film, qu’il s’agisse de la sensibilité nominale ou d’un autre ISO que celui recommandé par le fabricant. C’est l’un des (nombreux !) avantages de l’argentique : le film est très souple quant à ce que vous pouvez en faire et à la manière dont vous pouvez expérimenter. Vous pouvez obtenir de nombreux résultats surprenants simplement en testant et en vous amusant !
« Nous pouvons indiquer à l’appareil un ISO différent de celui du film pour modifier notre manière d’exposer »
La mesure de lumière (Metering)
Maintenant que vous comprenez l’indice de pose et comment vous pouvez modifier le réglage ISO d’un film, parlons de la mesure de lumière. La mesure est extrêmement utile lorsque vous souhaitez exercer un meilleur contrôle sur votre film. Il existe deux façons de mesurer la lumière : via votre appareil photo ou avec une cellule à main. Lorsque vous mesurez avec l’appareil, vous réglez l’ouverture, la vitesse d’obturation et l’ISO souhaité pour le film que vous utilisez. Ensuite, vous regardez dans votre appareil, vers la scène que vous allez photographier, et vous observez ce que dit votre cellule interne. Parfois, le curseur ou l’affichage interne dans le viseur vous indiquera que vous allez fortement surexposer ou sousexposer votre film, et vous pourrez ajuster vos réglages en conséquence pour corriger cela. Cela dépend de l’appareil que vous utilisez, mais la plupart des boîtiers, surtout les modèles anciens, sont un peu plus approximatifs : ils ne donnent qu’une suggestion ou une idée générale de ce que vous pouvez faire pour corriger d’éventuelles erreurs avant de déclencher.
« À gauche, face à l’appareil avec la sphère sortie, nous ne surexposons pas du tout. À droite, nous mesurons la lumière qui rebondit sur le sol, ce qui nous permettra d’avoir des ombres bien exposées »
Avec une cellule à main, vous disposez du contrôle le plus absolu sur les résultats que vous pouvez obtenir avec votre film. L’inconvénient étant qu’en plus de porter un appareil photo, vous devez également transporter une cellule. Cependant, avec une cellule à main, vous pouvez saisir vos réglages et voir exactement comment vous devez exposer votre film pour obtenir le résultat souhaité. Les possibilités varient d’un posemètre à l’autre, certains ayant plus d’options que d’autres, mais la plupart vous permettront de fixer une variable particulière (que ce soit l’ISO, l’ouverture ou la vitesse d’exposition) et vous indiqueront ce que vous devez ajuster pour photographier avec le rendu voulu. Par exemple, disons que nous voulons utiliser de la Fuji 400, mais que nous voulons l’exposer à 200 ISO, et que nous voulons que notre ouverture soit réglée à f/2.0 (parce que nous adorons ce bokeh onirique). Nous pouvons entrer ces deux paramètres sur notre cellule à main (l’ISO souhaité et l’ouverture souhaitée), puis tester la lumière pour voir quel devrait être notre réglage d’exposition. Dans un environnement très lumineux, votre vitesse pourrait être de 1/500, ou dans une zone un peu moins éclairée, elle pourrait être de 1/60. Alternativement, si nous voulons photographier la scène avec une vitesse d’exposition particulière, nous pouvons fixer cette variable et tester la lumière pour voir quelle ouverture et quel ISO nous devrions utiliser selon les conditions d’éclairage actuelles. C’est essentiellement cela, la mesure de lumière : vous testez la lumière avec les réglages que vous avez saisis dans votre appareil ou votre cellule à main pour déterminer quels sont les meilleurs paramètres pour les conditions d’éclairage dans lesquelles vous vous trouvez.
C’est super simple, n’est-ce pas ?! Vous pouvez même varier la lumière que vous testez. Par exemple, si vous faites face à une scène que vous voulez photographier, vous pouvez mesurer la lumière dans les ombres de cette scène ou dans les hautes lumières. Mesurer les différents types de lumière dans une même scène donnera des résultats différents pour les réglages de votre cellule (qu’elle soit intégrée à l’appareil ou à main). Certains photographes choisissent d’ exposer pour les ombres dans leurs images, ils mesurent donc généralement la lumière dans les zones d’ombre. À l’inverse, d’autres photographes choisissent d’ exposer pour les hautes lumières et mesurent donc les parties les plus lumineuses des scènes qu’ils s’apprêtent à capturer. Enfin, certains photographes mesurent la lumière dans les tons moyens pour obtenir une image plus équilibrée. Si vous ne savez pas quelle lumière mesurer, il vous suffit d’expérimenter ! Vous découvrirez quel style vous convient le mieux et ce qui reflète le mieux votre vision en mesurant la lumière de diverses manières.
« À gauche, nous mesurons à la sensibilité nominale du film (EV 0), à droite nous surexposons d’environ +1,5 stop (ou EV 1,5). Nous tenons compte du fait que nous avons réglé la cellule sur le même ISO que celui du film. »
Si ce n’était pas clair auparavant, le film est souple, il adore être exposé de différentes manières et il aime qu’on joue avec lui dans différents types de lumière. Vous pouvez faire tellement de choses avec l’argentique, il vous suffit de pratiquer, de vous amuser et de voir quels résultats vous préférez !
Vous avez une question sur l’indice de pose ou la mesure de lumière ? Ou peut-être voulez-vous simplement nous dire à quel point vous nous appréciez ? Écrivez-nous à ask@carmencitafilmlab.com ! Nous sommes là pour vous aider 🙂
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.png00carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-17 08:01:302026-04-17 08:01:30La différence entre l’indice de pose (Rating) et la mesure de lumière (Metering)
Ce que nous aimons ici, au labo : les appareils photo, les films et les surprises. Pour nous, les surprises prennent toutes les formes : parfois, nous trouvons des bonbons dans les colis livrés au labo, et parfois nous nous régalons les yeux avec les meilleures doubles expositions de tous les temps. Difficile de trancher sur ce que nous préférons, mais les doubles expositions remportent à peu près la première place. C’est pourquoi nous avons décidé de consacrer un article à la science des doubles expositions et (bonus !) à la manière de les réaliser. Peut-être que, si vous n’avez jamais essayé de créer votre propre double exposition, vous aurez envie de vous lancer, afin que vous (et nous tous, ici au labo) puissiez savourer ce moment magique où l’on découvre avec surprise ce que l’on a créé. Les doubles expositions (et, plus largement, les expositions multiples) consistent essentiellement à enregistrer deux images ou plus sur une seule et même vue. Concrètement, vous « superposez » une image à une autre en empêchant votre appareil d’avancer le film à la vue suivante. En prenant une photo sans avancer à la vue suivante, vous exposez donc la même vue plus d’une fois. Si vous avez déjà fortement sur-exposé (et on parle bien de sur-exposer) votre film, vous savez que les hautes lumières seront « brûlées » à cause d’un excès de lumière sur le film. Cela peut arriver lors d’une double exposition, mais avec un peu de préparation et de stratégie, vous pouvez créer une magie absolument bluffante.
IL EXISTE DEUX MÉTHODES POUR RÉALISER DES DOUBLES EXPOSITIONS SUR FILM :
1.) Vous pouvez photographier une pellicule entière normalement (une photo par vue), puis, une fois la pellicule terminée et rembobinée, utiliser un extracteur d’amorce pour ressortir le film et le photographier à nouveau : c’est la double exposition. Cette méthode est utile si vous souhaitez simplement expérimenter et voir ce que vous pouvez créer avec très peu de préparation, et si vous aimez être surpris. Elle peut être un peu plus amusante pour un événement personnel non structuré, sans livrables (par exemple une journée à la plage avec des amis, au cirque avec votre famille, etc.).
2.) Ou bien vous pouvez faire une double exposition vue par vue (par exemple : mettre une pellicule dans votre appareil, prendre deux images ; puis avancer à la vue suivante, prendre encore deux images ; avancer à la vue suivante, ne prendre peut-être qu’une seule image sur cette vue ; et ainsi de suite). Cette seconde méthode est utile si vous ne souhaitez pas avoir une pellicule entière en doubles expositions, mais plutôt planifier et ne faire que quelques prises lorsque l’inspiration vous vient. C’est probablement la meilleure méthode si vous travaillez sur commande pour un client ou une entreprise, car vous pouvez être plus réfléchi et plus organisé lorsque l’inspiration vous frappe.
Si vous comptez tenter la dernière méthode, c’est-à-dire réaliser une double exposition vue par vue, deux éléments essentiels sont nécessaires : vous devrez savoir comment empêcher votre appareil d’avancer le film, et vous devrez planifier quelles images vous allez capturer et superposer. Ces deux points sont indispensables, car si votre appareil n’a pas la capacité d’empêcher l’avancement à la vue suivante, vous ne pourrez pas réaliser de doubles expositions (vous pouvez rechercher sur Google la marque et le modèle de votre appareil pour trouver le manuel en ligne et vérifier si c’est possible). Et si vous n’avez pas d’idée ou d’objectif en tête quant à ce que vous souhaitez capturer, vous risquez d’être déçu du résultat (ou, au contraire, très agréablement surpris !).
1.) Comme vous exposez votre film deux fois (ou davantage), il est préférable de sous-exposer vos prises de vue. Nous avons mentionné plus haut que la sur-exposition peut entraîner une perte de détails ; il est donc recommandé de sous-exposer de 1 ou 2 diaphragmes pour chaque prise réalisée sur la même vue. Avoir un posemètre à portée de main pour vérifier que vous sous-exposez bien de 1 ou 2 diaphragmes réduira votre marge d’erreur.
2.) Lorsque vous prenez votre première image, les zones claires (les parties blanches ou lumineuses) de cette première image ne captureront ni ne montreront rien après la seconde prise. Votre seconde image ne s’exposera et ne sera visible que dans les zones sombres de la première image. Par exemple, si, sur votre première prise, vous photographiez un point noir sur une page blanche, le blanc a été entièrement exposé sur votre film (il est en quelque sorte « brûlé »). Ainsi, lorsque vous prenez la seconde image, elle ne sera visible qu’à l’intérieur du cercle du point noir, car les zones sombres n’ont pas été sur-exposées comme les zones les plus lumineuses de la première image.
Une fois que vous avez compris comment votre appareil réalise les doubles expositions, il est temps de vous lancer ! Il existe de nombreuses façons de planifier, de superposer et de créer des doubles expositions. Vous pouvez rechercher le hashtag #filmdoubleexposure ou #doubleexposurefilm sur Instagram, ou découvrir le projet de Marcause DUO:BSL qui présente des doubles expositions incroyables, avec des idées folles et une belle dose d’inspiration ! Nous allons aussi vous donner deux façons classiques de réaliser des doubles expositions. Gardez toutefois à l’esprit qu’il ne s’agit pas de règles strictes et immuables : utilisez-les uniquement comme guide. En argentique, les règles sont faites pour être transgressées ; laissez-vous inspirer et brisez-les !
C’est un grand classique, qui peut être audacieux ou romantique.
Pour la première image, prenez un portrait de profil ou de face de votre sujet devant un mur blanc ou clair, ou en contre-jour, en veillant à sous-exposer. Ensuite, réfléchissez à ce que vous souhaitez « remplir » à l’intérieur de votre sujet lors de la seconde image. Vous pourriez photographier des fleurs (faciles à trouver le jour d’un mariage), une structure en béton, une pile de guitares, ou même une autre photo de la personne elle-même. Puis prenez votre seconde image, en veillant là encore à sous-exposer. La double exposition « contour » est idéale pour ajouter de la profondeur.
Celle-ci permet vraiment de poser une ambiance et, pour nous, elle donne toujours l’impression de pouvoir faire une excellente photo de pochette d’album. Pour la première image, prenez une photo de votre sujet — cela peut être un chien, un objet, une personne, ou plusieurs personnes, peu importe — sur un fond clair. Veillez à sous-exposer, idéalement de 2 diaphragmes pour cette prise. Ensuite, prenez une photo du paysage ; idéalement, le ciel sera légèrement couvert afin de conserver des détails, et là encore nous recommandons de sous-exposer de 2 diaphragmes. C’est un classique qui rend toujours très bien.
ASTUCES POUR FAIRE RESSORTIR VOS DOUBLES EXPOSITIONS :
1.) Lorsque vous photographiez des personnes, plus leurs vêtements sont foncés, mieux c’est.
2.) Gardez toujours votre première prise en tête lorsque vous composez et réalisez la seconde (et souvenez-vous notamment si vous l’avez prise à l’horizontale ou à la verticale !).
3.) Vous pouvez utiliser des éléments de votre environnement ou des motifs à proximité comme « remplissage » pour votre seconde image.
4.) Sous-exposez davantage dans les situations ou environnements très lumineux.
5.) Expérimentez, acceptez les erreurs et, surtout, amusez-vous !
Depuis la création de Carmencita en 2012, nous avons manipulé, développé et numérisé avec soin de nombreux types de films noir et blanc. Nous avons appris les qualités uniques que possède chaque type de film noir et blanc et comment elles peuvent influencer l’émotion dans une photographie. Les films noir et blanc peuvent évoquer le sentiment de la scène, qu’il s’agisse de joie ou de tristesse, de sérénité ou de drame, d’un heureux souvenir intemporel ou d’un moment puissant et évocateur. Qu’il s’agisse d’un portrait, d’un mariage, d’un paysage, de sport ou d’une photo prise lors de vos voyages, les films noir et blanc capturent l’essence et l’émotion du moment. Comme l’a dit un jour le légendaire photojournaliste canadien, Ted Grant : « Quand vous photographiez des personnes en couleur, vous photographiez leurs vêtements. Quand vous photographiez des personnes en noir et blanc, vous photographiez leurs âmes. » Nous pensons que la photographie noir et blanc va au cœur d’une scène et en capture l’émotion.
Pour cette raison, nous reconnaissons notre faible pour Ilford. Fondée en 1879, Ilford est devenue un pilier du monde des films noir et blanc tel que nous le connaissons. Elle compte de nombreux adeptes (dont nous faisons partie !) et a établi un niveau d’exigence élevé pour l’industrie cinématographique. La plupart des gens connaissent la Delta 3200, mais dans cet article, nous voulons attirer un peu plus l’attention sur les deux autres « enfants » d’Ilford : Delta 400 et HP5. La Delta 400 et la HP5 sont deux films avec la même sensibilité ISO, mais avec de grandes différences entre eux. Quelles sont précisément ces différences ? Nous sommes ravis que vous posiez la question 🙂
HP5 +
La HP5 est un film avec une grande histoire derrière elle. Elle est née sous le nom de HP, mais a évolué pour devenir ce que nous connaissons aujourd’hui sous le nom de HP5. Avec un peu plus de 70 ans d’existence à son actif, la HP5 est devenue le film noir et blanc le plus utilisé en Europe et nous la voyons fréquemment dans notre laboratoire ! Le nom complet de la HP5 est Hypersensitive Panchromatic et sa dernière version a été lancée en 1989. Unique avec son grain cubique et sa large latitude d’exposition, elle est rapidement devenue la préférée des amateurs de photographie classique et de son esthétique.
Les films noir et blanc 400 ISO typiques sont agréablement surprenants en raison de leur latitude d’exposition et de leur capacité à conserver les informations dans les hautes lumières, et la HP5 ne fait pas exception. Nous avons testé la HP5 en ne modifiant que les réglages d’exposition, et nous avons été ravis de la performance de la HP5 ! Elle a conservé les informations et les détails dans les hautes lumières, même à 4 diaphragmes de surexposition ! Nous avons constaté qu’elle brille le mieux, en termes de plage dynamique, lorsqu’elle est surexposée d’un diaphragme. Cette surexposition d’un diaphragme est le mélange parfait ; il y a un équilibre parfait entre les ombres et les hautes lumières. Nous avons noté que nous obtenions toujours des résultats acceptables lorsqu’elle était exposée entre -2 et +3 diaphragmes, donc, selon nos normes, nous la considérerions comme un film très polyvalent dans divers environnements changeants.*
*Si vous aimez avoir le contrôle sur le résultat de vos images, la HP5 pourrait être votre film. C’est un film idéal pour choisir le niveau de contraste lors du développement personnel et idéal pour la numérisation. Le pouvoir est vraiment entre vos mains lorsque vous utilisez la HP5 ; d’autant plus que vous photographiez déjà en argentique 🙂
Rolleiflex Automat RF111A + Ilford HP5 +3 diaphragmes par Oliver Sigloch
C’est l’un de nos films préférés lorsqu’il s’agit de l’évaluer à 800, 1600 et même 3200 ISO. Lorsque vous l’évaluez ainsi, les images rendent des noirs et des blancs un peu plus intenses et avec beaucoup plus de grain. Ces résultats peuvent vraiment faire ressortir l’image ! Et même si, oui, ce rendu apporte plus de grain, et un grain plus cubique (voir image), et une perte de netteté, nous pensons que cela met en valeur le goût artistique de l’image avec les tons puissants du noir et blanc.
Il est important de mentionner que la HP5 est très bonne si vous réalisez que vous devez la SOUS-DÉVELOPPER. Si vous n’êtes pas tout à fait sûr de ce que nous entendons par « sous-développer », vous pouvez en savoir plus sur le sous-développement de votre film ici. Si vous utilisez la HP5 avec l’intention de l’exposer à sa vitesse nominale (qui est de 400), mais que vous réalisez que vous l’avez évaluée à 100, pas de problème. Laissez la HP5 faire le gros du travail, elle s’en chargera. Elle peut facilement être développée moins longtemps et être « sous-développée » pour apparaître comme si elle avait été évaluée à 400. Respirez. Cela donnera à la HP5 une plus large gamme de gris et les hautes lumières seront plus riches en détails que le compte en banque de Bill Gates, alors gardez cela à l’esprit. Et si cela vous dérange, respirez profondément, car, encore une fois, la HP5 peut faire encore plus de travail. Nous pouvons travailler sur le négatif en post-production pour ajuster le contraste à votre guise. Ce film, en raison de son contraste, est idéal pour les journées d’été ensoleillées et chaudes. Jetez un coup d’œil aux images HP5 testées que nous avons fournies ; elles ont été prises directement du scanner et vous pouvez facilement imaginer à quel point une image peut être ajustée simplement en modifiant la courbe ou en ajoutant plus de contraste en post-production. Utiliser la HP5 est une promenade de santé (n’est-ce pas une belle relation ?)
Il est à noter que tous les tests HP5 ont été conçus pour un gris moyen de 18 % et développés avec nos produits chimiques noir et blanc préférés, Ilford DDX, pour un contraste d’image plus large et un grain plus fin.
En résumé, la HP5 confère une atmosphère granuleuse, intense et brute à vos images, et le contraste élevé caractéristique ainsi que le rendu des ombres profondes peuvent parfois entraîner une perte de détails fins dans l’émulsion.
Delta 400
Vous devez vous demander, après tout ce que nous avons mentionné à propos de la HP5, pourquoi nous nous donnerions la peine de vous convaincre d’envisager de vous intéresser à un autre film noir et blanc ? Eh bien… oui, la HP5 est le meilleur film du monde entier et c’est une relation que nous vous encourageons à essayer (si ce n’est déjà fait). La Delta 400 est aussi le meilleur film du monde entier et nous vous encourageons également à l’essayer parce que… eh bien, vous connaissez le dicton « à chacun ses goûts » ? Ce dicton s’applique ici. Tout dépend de vous, l’artiste. Cela dépend du film qui, selon vous, capture le mieux votre scène, de ce qui, selon vous, met intrinsèquement en lumière le moment, et de ce qui exprime votre style avec maestria. De cette façon, chaque film est le meilleur pour chaque photographe qui sent qu’il est le plus puissant lorsqu’il est utilisé entre ses mains. C’est pourquoi, si vous n’avez pas exploré le monde des films noir et blanc, nous vous encourageons à essayer les deux que nous mentionnons ici dans cet article, afin que vous puissiez voir lequel est le meilleur au monde pour VOUS. Car en les utilisant, vous commencerez à voir que votre préférence pour le film noir et blanc est aussi personnelle que votre marque de céréales préférée. Et grâce à des marques comme Ilford et Kodak, vous pouvez profiter d’une vaste gamme de films noir et blanc (Fujifilm : n’hésitez pas à vous sentir exclu).
La Delta 400 est née en 1990 et a été reformulée en 1994 pour répondre aux attentes des photographes les plus techniques qui apprécient d’avoir la définition maximale absolue dans leurs images. Cela est principalement dû à sa technologie d’émulsion Core-shell™ qui repose sur l’utilisation maximale de l’émulsion dans la distribution de l’argent dans le film sous forme tabulaire. Vous n’êtes pas tout à fait sûr de ce dont nous parlons ? Parce qu’une image vaut mille mots, il est probablement préférable que vous consultiez les images Delta 400 (voir image). La Delta 400 contient ce que l’on appelle un film à grain T (grain tabulaire), légèrement modifié par rapport à un film à grain conventionnel dans la façon dont le contenu argentique du film est dispersé. Les films à grain T (tels que Delta, Acros, T-Max) ont des cristaux plats tandis que les films à grain conventionnel (comme HP5, Tri-X, Rollei RPX) ont des cristaux ronds. La planéité des cristaux permet une meilleure absorption de la lumière par quantité d’argent dans l’émulsion.
La théorie du film à grain T est qu’il devrait fournir des images plus nettes et un grain plus fin par rapport à un film à grain conventionnel de même sensibilité. Et c’est l’un des arguments forts en faveur de l’utilisation de la Delta 400. Elle est assez nette avec un grain modéré (la taille du grain est celle d’une FP4). Par conséquent, ce serait probablement un film idéal pour ceux qui aiment les détails dans leurs images.
Un autre point à noter est que ce film est capable d’afficher des tons beaucoup plus clairs et plus nets que ceux d’autres films dotés d’une technologie standard. Sa sensibilité est plus efficace et capable d’enregistrer un maximum d’informations dans les hautes lumières et les ombres, à condition, bien sûr, qu’il soit correctement exposé. Ainsi, si la Delta 400 est correctement exposée, vous pouvez obtenir des images claires avec un meilleur contraste.
Lors de nos prises de vue test de la Delta 400 (voir image), nous avons observé de très bons résultats entre -1 et +1 d’exposition, ce qui en fait, à notre avis, un film avec une latitude d’exposition plutôt faible. Par conséquent, vous devrez être plus prudent lors de la mesure et de la lecture de la lumière, car vous pourriez perdre des détails dans les ombres et les hautes lumières. Cela signifie qu’il serait idéal pour vous d’avoir un posemètre à portée de main ou très proche pour prendre une lecture attentive de la lumière dans la scène que vous souhaitez capturer. En prenant une lecture correcte avec un posemètre, vous obtiendrez des images de meilleure qualité car vous aurez une marge d’erreur plus faible. Oui, cela peut parfois être un inconvénient pour ceux qui n’aiment pas être encombrés d’un posemètre, mais tout a un prix 😉
Ilford a mis en avant ce film pour sa capacité à être évalué entre 200 et 3200, cependant, à notre avis, la HP5 est beaucoup plus polyvalente. Avec la Delta 400, nous avons noté lors des tests qu’une plus grande quantité d’informations était perdue dans les noirs et les hautes lumières. En tant que tel, nous pensons que c’est un film avec une latitude plus faible et une plus grande sensibilité aux contrastes élevés. Il convient de noter cependant qu’il a une excellente réponse lorsqu’il est sous-développé pendant le processus de développement, de sorte que le contraste sera gérable dans les situations de contraste élevé.
Si vous développez vous-même, nous mentionnerons également le meilleur type de révélateur à utiliser qui peut traiter ce type de grain T, à savoir l’Ilford DDX. Ce révélateur a été conçu pour maintenir un bon équilibre de contraste général, idéal pour la numérisation et l’impression.
En bref, la Delta 400 offre des tons remarquablement profonds, un excellent contraste et maintient une netteté constante, à condition qu’elle soit correctement exposée.
Vous avez des questions sur la HP5, la Delta 400 ou les films noir et blanc ? Notre équipe se fera un plaisir de répondre à votre demande ! Envoyez-nous simplement un message à ask@carmencitafilmlab.com !
Depuis l’ouverture de nos portes chez Carmencita Film Lab, nous avons vu pratiquement tous les incidents qui peuvent survenir avec la pellicule et les résultats de ces incidents. Parfois, ces incidents sont intentionnels et parfois ils ne le sont pas. Quoi qu’il en soit, aujourd’hui nous allons aborder certains des accidents malheureux (ou heureux, selon votre objectif) les plus courants qui peuvent survenir lors de la manipulation ou de la prise de vue avec de la pellicule, et nous allons également parler des mesures que vous pouvez prendre pour les éviter.
Vous avez peut-être connu un (ou plusieurs) de ces accidents et si ce n’est pas le cas, nous espérons que cet article vous aidera à les éviter. Nous avons divisé les problèmes en deux sections selon que l’incident est survenu à cause de l’appareil photo ou de l’état de la pellicule.
1. FUITES DE LUMIÈRE
Une fuite de lumière apparaît généralement lorsque l’étanchéité de votre appareil photo ne fonctionne pas correctement ; par conséquent, des traces de lumière vont « s’infiltrer » dans le compartiment de la pellicule. Lorsque votre pellicule dans votre appareil photo est exposée à la lumière qui s’infiltre, cela crée généralement des motifs semblables à des flammes ou des expositions inégales sur les images. Les fuites de lumière peuvent créer une variété de formes différentes, donc si vous voyez quelque chose d’étrange sur vos images, il est très probable que ce soit dû à une fuite de lumière.
Pour éviter les fuites de lumière, nous vous recommandons de vérifier que la mousse qui assure l’étanchéité du dos de votre appareil photo est en bon état. Généralement, avec le temps et l’âge, la mousse des appareils photo peut durcir et se détériorer. Si c’est le cas, nous vous encourageons vivement à la remplacer ! De plus, nous vous recommandons de vérifier que le dos de votre appareil photo se ferme uniformément et que l’obturateur fonctionne correctement. Si ce n’est pas le cas, nous vous encourageons à le faire réparer. Mais si cela ne résout pas le mystère des fuites de lumière qui apparaissent sur vos images, nous vous recommandons d’apporter votre appareil photo chez un spécialiste près de chez vous afin qu’il puisse y jeter un coup d’œil rapide ! 😉
*Cela dit, les fuites de lumière peuvent également être très intéressantes si elles sont intentionnelles !
L’un de nos comptes Instagram préférés présente justement des fuites de lumière ! Vous pouvez le consulter ici : www.instagram.com/f1rstoftheroll
2. POUSSIÈRE OU SALETÉ
Si vous remarquez que des points ou des lignes noirs apparaissent sur vos images, cela signifie très probablement qu’il y avait ou qu’il y a de la poussière à l’intérieur de votre appareil photo. Des points ou des lignes noirs apparaissent sur les images lorsque l’appareil photo contient de la poussière ou de la saleté qui empêche la pellicule d’être exposée.
Pour éviter que la poussière ou la saleté n’empêche une exposition correcte de votre pellicule, assurez-vous que la chambre de la pellicule de votre appareil photo est propre et qu’aucune partie de votre appareil photo ne libère de particules à l’intérieur (vieilles mousses d’étanchéité, nous vous regardons !)
*Important : si vous voyez de la poussière blanche sur vos numérisations, c’est une autre histoire. La poussière blanche sur vos numérisations résulte de la poussière provenant du processus de développement ou de numérisation. En gros, la poussière est arrivée après la prise de vue. Si vous voyez cette poussière blanche, contactez votre laboratoire et montrez-leur vos images ; ils devraient pouvoir corriger cela.
3. RAYURES
La plupart d’entre vous savent probablement que la surface de la pellicule est sensible et délicate. Lorsque vous faites défiler la pellicule dans votre appareil photo, vous lui appliquez une tension et si les surfaces qui touchent la pellicule elle-même ne sont pas lisses, cela entraînera très probablement des rayures sur votre pellicule. De plus, même de la poussière, du sable ou toute petite particule solide qui pénètre dans votre appareil photo peut créer une ligne rayée sur la pellicule, ce qui peut être assez difficile à éliminer.
Lorsque les rayures sont parfaitement droites, cela signifie qu’elles proviennent d’un mouvement mécanique à l’intérieur de l’appareil photo. Et même si elles semblent grandes sur l’écran ou sur votre image, sur le négatif de la pellicule lui-même, elles sont assez petites.
Pour éviter les rayures sur vos images, gardez votre appareil photo propre et soyez vigilant pour empêcher toute poussière, saleté, sable, etc. de pénétrer lors du changement de pellicule dans des conditions poussiéreuses ou en extérieur. Bien que les rayures puissent être corrigées avec les outils Photoshop actuels, il vaut mieux être prudent sur le terrain 😉
4. HUMIDITÉ OU CHAMPIGNONS
L’humidité est l’un des plus grands ennemis de l’équipement photographique en général, mais encore plus en ce qui concerne les objectifs ou l’émulsion de la pellicule elle-même. Dans les environnements chauds, il y a tendance à avoir beaucoup plus d’humidité dans l’air et les changements de température drastiques de votre équipement peuvent entraîner de la condensation sur la surface de votre objectif. Heureusement, c’est assez rare, mais au fil du temps, cela peut conduire à l’apparition de champignons à l’intérieur des éléments du verre de votre objectif ; cela est encore plus susceptible de se produire s’ils sont stockés pendant longtemps.
Vous pouvez détecter les champignons en éclairant l’objectif par l’élément arrière et en regardant à travers depuis le haut. Si vous voyez des taches de forme organique provenant du côté de l’objectif, il s’agit très probablement de champignons. De plus, si vous voyez une couche translucide uniforme, il est possible que de l’eau se soit condensée en raison de l’humidité. Lorsque cela se produit, les images apparaîtront très floues et peut-être un peu brouillées, en particulier dans les situations à contre-jour et dans les hautes lumières, où la lumière est davantage diffusée à l’intérieur des éléments affectés de l’objectif.
Pour éviter les champignons ou l’humidité dans votre objectif, conservez-les dans des endroits secs si vous ne prévoyez pas de les utiliser pendant un certain temps et faites attention lorsque vous photographiez près de la côte/des lacs/du bord de mer pour éviter que l’avant du verre de votre objectif ne devienne embué. Si vous voyez des images floues en regardant à travers votre viseur, il est préférable de démonter l’objectif et de lui faire une vérification rapide.
5. MAUVAIS EFFET « TILT SHIFT »
Vous remarquerez peut-être occasionnellement qu’une partie spécifique de votre image est floue ou brouillée. Cela sera difficile à manquer car l’effet est si inhabituel et particulier. Cette partie floue de votre image se produit généralement lorsque la pellicule n’est pas parfaitement à plat lorsque vous prenez votre photo (il s’agit généralement d’une défaillance de la plaque de pression de l’appareil photo ou le mécanisme d’avancement est un peu lâche). Cet effet est particulièrement courant avec le Contax 645.
Malheureusement, vous ne pouvez pas faire grand-chose à l’avance pour éviter de voir cet effet flou sur vos images. Sur la plupart des appareils photo (qui ne sont pas le Contax 645), vous pouvez vérifier la plaque de pression pour vous assurer qu’elle fait son travail ; cela devrait être suffisant. Cependant, avec le Contax 645, vous devez vérifier que les inserts avancent correctement et qu’ils ne laissent pas la pellicule reculer. Car si la roue d’avancement est un peu lâche, vous rencontrerez finalement ce problème.
6. AVANCEMENT INÉGAL DE L’OBTURATEUR
La plupart des appareils photo argentiques utilisés aujourd’hui sont loin d’être neufs (#vintage !) et cela signifie qu’il est possible que toutes ses pièces mécaniques ne soient pas en parfait état. Plus précisément, les obturateurs des appareils photo argentiques plus anciens peuvent présenter des signes d’usure. S’il y a beaucoup d’usure sur votre obturateur, vous verrez des preuves d’exposition inégale sur une image et peut-être même des parties presque noires. Cela se produit parce que l’obturateur ne se déplace pas uniformément sur l’image.
Malheureusement, vous ne pouvez pas faire grand-chose pour éviter que cela n’arrive à un appareil photo. Vous pouvez dire que l’obturateur n’avance pas correctement car vous verrez des preuves d’espace noir ou d’expositions inégales sur vos images lorsque l’obturateur fonctionne à ses vitesses maximales (par ex. 1/1000e ou 1/4000e de seconde). Si vous commencez à remarquer ce problème, notez qu’il ne fera qu’empirer, il est donc préférable de l’apporter dans un atelier de réparation d’appareils photo ou chez un spécialiste afin qu’ils puissent remplacer les ressorts ou les pièces de l’obturateur qui ne fonctionnent pas correctement.
7. CHEVAUCHEMENT DES IMAGES
Tout comme l’usure qui peut se produire sur les obturateurs, d’autres pièces mécaniques d’un appareil photo argentique peuvent se plier ou se fissurer avec le temps et l’utilisation. Cela peut entraîner un avancement irrégulier de votre pellicule, ce qui fera se chevaucher vos images. Cela se produit généralement si les roues crantées sont endommagées. Attention, il existe certains appareils photo argentiques fabriqués en plastique ou construits à l’époque de l’ancienne URSS qui n’ont pas une très bonne réputation de durabilité.
Dès que vous remarquez que vos images se chevauchent, vous pouvez être certain que cela se produira avec chaque pellicule que vous photographierez sur cet appareil photo par la suite. Vous voudrez donc peut-être rendre visite à votre réparateur d’appareils photo préféré et voir si cela vaut la peine de le réparer, car parfois la réparation peut être un peu coûteuse !
*Cela peut également se produire si les perforations de votre pellicule 35 mm sont endommagées, mais si cela se produit, votre laboratoire de développement le verra immédiatement et vous le fera savoir.
8. RAYONS X
Pratiquement tout est scanné par rayons X avant de monter dans un avion, y compris les bagages enregistrés et les bagages à main. La pellicule est sensible aux radiations, cependant la technologie a considérablement progressé et par conséquent la façon dont les choses sont scannées aujourd’hui n’est pas la même qu’il y a 20 ans. Dans la plupart des pays européens, les rayons X utilisés pour les bagages à main sont beaucoup plus doux et généralement sans danger pour toute pellicule inférieure à 800 ISO. Cependant, les scanners à rayons X utilisés sur les gros bagages sont beaucoup plus puissants et beaucoup plus agressifs. C’est pourquoi nous vous recommandons de NE PAS mettre votre pellicule (exposée ou non) dans vos bagages enregistrés lorsque vous prenez l’avion. Gardez-la toujours dans vos bagages à main !
Si votre pellicule est exposée à des quantités excessives de rayons X, vous remarquerez des marques en forme de vagues répétées le long du négatif et les images afficheront beaucoup de grain, de voile, des couleurs atténuées et une perte de détails dans les ombres. Pour avoir une idée de ce à quoi cela ressemble, consultez cet (ancien) article de Kodak qui l’illustre assez bien.
*Si vous souhaitez toujours vous assurer que votre pellicule est protégée des rayons X, vous pouvez acheter des sacs en plomb pour votre pellicule, mais sachez que vous serez certainement contrôlé manuellement par la sécurité de l’aéroport !
9. HUMIDITÉ
Étant donné que la pellicule a une surface souple, elle doit être protégée de nombreux éléments qui pourraient influencer négativement le résultat de vos images. Dans ce cas, nous faisons spécifiquement référence aux changements de température drastiques qui peuvent provoquer de la condensation ou de l’humidité sur la surface de la pellicule, ou au contact de votre pellicule avec de l’eau ou des liquides. Pour obtenir des résultats optimaux, la pellicule ne doit pas être en contact avec un liquide ou de l’humidité jusqu’au moment du développement (sauf si vous aimez expérimenter, alors allez-y !). Le problème avec toute humidité ou liquide qui entre en contact avec votre pellicule est qu’il restera sur votre pellicule pendant une période significative et altérera les images. Et en ce qui concerne la pellicule 120, toute humidité ou eau endommagera la pellicule et le papier de support sur lequel elle repose.
Il est généralement recommandé de conserver la pellicule au réfrigérateur si vous l’avez pendant un certain temps, mais faites attention à ne pas la placer près du fond du réfrigérateur où l’eau a tendance à se condenser ! Vous cherchez à conserver votre pellicule plus longtemps que la durée de stockage moyenne ? Vous pouvez également la congeler ! Plus la pellicule est froide, moins le vieillissement chimique se produira. Mais gardez à l’esprit que si vous choisissez de congeler votre pellicule, vous devrez attendre environ 1 h 30 après l’avoir sortie du congélateur avant de pouvoir photographier !
Par conséquent, nous vous recommandons de :
1. Éviter le stockage à long terme à des humidités relatives de 60 % ou plus. De telles humidités élevées peuvent endommager les étiquettes et le papier de support de la pellicule 120 (à cause de l’humidité et de la moisissure) et peuvent rouiller les boîtiers de la pellicule 35 mm. Conservez également votre pellicule dans son emballage d’origine jusqu’à ce que vous soyez prêt à l’utiliser.
2. Conserver votre pellicule au réfrigérateur. Si vous utilisez votre stock de pellicule dans les 3 mois, des températures de 13 °C ou moins sont appropriées. Si votre stock de pellicule sera conservé plus de 3 mois, la congélation à -18 °C à -23 °C est recommandée. Après tout stockage au froid, assurez-vous de laisser votre pellicule s’adapter lentement à la température ambiante dans laquelle elle sera utilisée.
3. Ne pas garder la pellicule dans votre appareil photo plus longtemps que nécessaire. Développez votre pellicule dès que possible après l’exposition, cela garantira la meilleure qualité possible pour vos images !
10. PELLICULE PÉRIMÉE
Les halogénures d’argent qui rendent la pellicule sensible à la lumière sont modifiés par une réaction chimique lorsqu’ils sont exposés à la lumière ou à d’autres formes de rayonnement. La sensibilité de l’émulsion d’argent dans la pellicule peut se dégrader ou « rouiller » avec le temps. Lorsqu’elle se dégrade, elle diminuera la valeur ISO normale que la pellicule aurait eue si elle n’avait pas expiré. Par exemple, une pellicule qui était à l’origine de 400 ISO mais qui est périmée de plus de 5 à 6 ans serait d’environ 100 à 160 ISO. De plus, la diminution de l’ISO s’accompagne également d’une diminution du contraste et de la saturation, et introduit d’éventuels décalages de couleur et une augmentation du grain dans votre pellicule.
Vous pouvez compenser l’âge de l’émulsion en surexposant votre pellicule afin d’ajouter plus de lumière à vos images, ce qui ajoutera également de la saturation et du contraste. Le résultat ne sera jamais aussi bon que si l’émulsion n’avait pas expiré, mais c’est juste l’une des qualités magiques de la pellicule : ) Ne laissez personne vous dire le contraire, la pellicule périmée est parfaitement utilisable ! En fait, nous avons photographié de la pellicule N&B qui a expiré en 1992 et elle a fonctionné parfaitement ! La couleur est un peu plus délicate mais l’option est toujours là pour expérimenter !
Nous espérons que ce petit guide vous a aidé à mieux comprendre les défauts et les incidents qui peuvent parfois survenir avec la pellicule. Nous pensons que ces subtilités font partie du processus de la pellicule et peuvent parfois être exploitées comme des outils créatifs pour créer quelque chose de vraiment spectaculaire ! Mais ce n’est pas toujours le cas et lorsque ces problèmes ne sont pas souhaités, ils peuvent être un peu pénibles.
Vous avez une question sur un défaut ou un problème spécifique que vous avez trouvé sur votre pellicule ? Écrivez-nous à ask@carmencitafilmlab.com ! Même si nous n’avons pas développé ou numérisé votre pellicule dans notre laboratoire, nous pourrons peut-être vous aider à découvrir ce qui l’a causé et comment le corriger.
Nous sommes là pour vous aider 🙂
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.png00carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-17 07:43:332026-04-17 07:43:33Comprendre les défauts de film/0 Commentaires/dans Article technique/par carmencita
Aujourd’hui, nous allons parler de quelque chose qui est sur notre radar depuis un certain temps : The Impossible Project ! (maintenant rebaptisé Polaroid Originals après la fusion des deux entreprises) Si vous n’en avez pas entendu parler, The Impossible Project a été fondé en 2008 avec un seul objectif : maintenir le film Polaroid en vie. Cela s’est produit lorsqu’en février 2008, Polaroid a annoncé qu’elle cesserait de fabriquer du film instantané Polaroid. Cette annonce aurait signifié la fin d’une époque et la fin du film instantané Polaroid tel que nous le connaissons. Cela fait déjà 10 ans maintenant et nous sommes extrêmement fiers d’eux, ils ont rendu l’impossible très très possible, au point de racheter l’entreprise d’origine !
Origines
Cependant, comme toute bonne histoire, Polaroid a été sauvé grâce à un héros : Florian Kaps. Il a rassemblé suffisamment de ressources pour acheter l’équipement et le stock de films de Polaroid, et grâce à ses efforts, le film instantané Polaroid existe toujours et est utilisé par de nombreux artistes, créatifs et nouveaux utilisateurs aujourd’hui.
Pour souligner l’importance que nous accordons aux Polaroids, nous avons pris le temps de rencontrer LE Dr. Florian Kaps, le cerveau et le super-héros derrière le projet, et de lui poser quelques questions sur The Impossible Project. Bien que nous sachions pourquoi nous aimons Polaroid, nous voulions entrer dans l’esprit de Florian et découvrir pourquoi il a sauvé Polaroid et quelle était sa motivation pour faire quelque chose qui semblait, eh bien… plutôt impossible.
Lorsque nous lui avons demandé ce moment où il a décidé de sauver Polaroid, il a dit que « Lorsque j’ai entendu l’annonce, il est soudainement devenu évident que je devais tout entreprendre pour trouver une alternative et un avenir viable pour la photographie instantanée analogique ». Quelque chose dont nous et les artistes grand public lui sommes reconnaissants. Mais avec chaque défi, il y a toujours des obstacles, et nous avons demandé à Florian quels étaient ces obstacles lorsqu’il a lancé The Impossible Project. Il a dit que « L’un des trois plus grands défis du projet était : premièrement, essayer d’amener Polaroid à me parler malgré les refus ; deuxièmement, essayer d’empêcher l’entreprise de détruire les machines de production de films instantanés restantes ; et troisièmement, trouver tous les investissements nécessaires pour sauver et acheter ces machines. » Cela semble être un sacré défi !
Bien que The Impossible Project ait réussi à empêcher Polaroid d’être éliminé de l’industrie analogique, nous avons demandé à Florian où il envisageait le projet dans cinq ans. Son plus grand espoir, a-t-il dit, « Était que Polaroid continue de diffuser la magie, l’imprévisibilité et le caractère unique de la photographie instantanée analogique dans un monde de plus en plus dominé par des masses d’images numériques. »
Lorsque nous avons posé notre dernière question, à savoir quelle était l’image la plus précieuse qu’il avait prise avec un Polaroid, il a dit qu’il s’agissait d’un autoportrait. C’était le premier autoportrait qu’il avait jamais essayé de prendre de lui-même avec un appareil Polaroid et bien que cela ne se soit pas passé aussi bien qu’il l’espérait, il le chérit encore aujourd’hui. Peut-être pouvons-nous donc attribuer à Florian le premier selfie Polaroid ? 😉
The Impossible Project a été l’une des plus grandes aventures que Florian ait jamais entreprises et s’il en avait l’occasion, il a dit qu’il recommencerait tout. Il travaille actuellement sur une autre aventure analogique que vous pouvez suivre avec lui sur www.supersense.com.
Notre expérience
Bien que nous n’ayons aucune association ou lien avec The Impossible Project, nous aimons, soutenons et avons une obsession (sérieuse) pour le film, et par conséquent, nous sommes de grands fans du projet. C’est pourquoi nous voulions sensibiliser à son existence et partager sa magie avec vous.
Beaucoup d’entre nous au laboratoire sont nous-mêmes des utilisateurs de films Impossible et ce n’est pas parce que nous l’aimons car nous n’avons pas à le développer ou à le numériser (ce qui pourrait être vrai) mais parce que c’est un sentiment et un rituel complètement différents. Voici quelques exemples de polaroids que nous avons faits et que nous avons réussi à conserver.
*L’un des gros problèmes avec les polaroids dont personne ne parle, c’est que les sujets veulent souvent les garder et il est difficile de dire non
CONSEIL IMPORTANT : Nous avons personnellement constaté à quel point il est important de garder le polaroid à l’abri de la lumière du soleil une fois qu’il a été pris, gardez-le au moins dans l’obscurité pendant 20 à 30 min après la prise de vue. De plus, ils n’aiment pas les températures froides, si vous photographiez dans des environnements froids, mettez-les dans votre poche ou dans votre veste pour vous assurer qu’ils se développent uniformément 🙂
Ce qui est amusant, c’est que pendant la rédaction de cet article, l’un des photographes qui travaille au laboratoire a été approché par Polaroid pour effectuer des tests pour de nouvelles émulsions et collections et il est en fait présenté sur leur site web, félicitations Hector !
Nous sommes également tombés particulièrement amoureux des polaroids N&B, peut-être parce que c’est un sentiment très intemporel ou simplement parce que parfois nous voulons nous déconnecter de la couleur. D’après notre expérience, nous trouvons les couleurs de la série 600 plus agréables que les couleurs de la série SX-70, bien que l’appareil soit beaucoup beaucoup plus agréable à utiliser et une merveille du XXe siècle conçue par Eames.
Notre conclusion
Les Polaroids sont une option créative, amusante et insouciante pour les photographes professionnels et non professionnels. Ils sont idéaux pour ceux qui sont ouverts à la spontanéité et qui ne craignent pas de ne pas avoir un contrôle total sur le résultat final de leurs images. C’est parfait pour ceux qui veulent capturer un souvenir plutôt qu’une image parfaitement contrôlée. Donc, si vous vous considérez comme un photographe qui aime la cohérence dans ses images ou qui aime avoir un contrôle total sur la lumière, les Polaroids ne sont peut-être pas le support idéal dans ces cas-là.
Mais si vous recherchez un autre support qui vous donnera du pouvoir en tant que photographe et développeur, vous offrira un peu plus d’imprévisibilité, vous apportera un peu plus d’excitation et vous donnera des résultats vibrants qui resteront gravés dans votre mémoire pour toujours ; les Polaroids sont ce qu’il vous faut.
C’est un film instantané qui vous donne tellement en si peu de temps. Tout ce que vous avez à faire est d’appuyer sur le déclencheur, de voir l’éclair du flash, d’entendre le son caractéristique du Polaroid, de voir la photographie sortir et de regarder votre souvenir se développer sous vos yeux.
Image fixe du film « The Lighthouse » de Robert Eggers
C’était à cette date : 24.10.19. Ilford a titillé la toile avec l’annonce d’un tout nouveau film sur le point de sortir, et « oh là là », l’excitation était au rendez-vous. S’il y a bien une chose pour laquelle l’industrie de la photographie argentique est connue, c’est définitivement le manque de bonnes nouvelles.
Nous avons vu un peu plus d’activité de la part de Fujifilm cette année, répondant peut-être aux initiatives de Kodak l’an dernier, bien qu’Ilford n’ait pas fait la une depuis un moment ; il était donc facile pour tout le monde d’avoir des attentes élevées.
Jeudi est arrivé et l’annonce aussi : (roulement de tambour…) l’Ortho Plus 80 était né ! Hourra !! Hourra, Hourra ?
(la musique s’arrête, les confettis gisent au sol et les photographes argentiques se regardent en mode… c’est tout ? vous êtes sûrs ?)
Oui, c’est tout. Désolé les amis.
Beaucoup ne comprennent pas, beaucoup ont simplement abandonné toute attente et beaucoup essaieront probablement. De mon côté, je vais l’essayer mais, pour être honnête, c’est quelque chose que « beaucoup » d’entre nous n’ont pas vraiment envie d’utiliser. Durant les années où j’ai dirigé le labo, j’ai senti que l’avenir de la photographie argentique prenait une direction très différente (alerte spoiler : les jeunes).
Avec tout le respect dû aux nombreux professionnels qui ont travaillé sur l’Ilford Ortho Plus 80, ce n’est pas quelque chose qui, selon moi, fait avancer la photographie argentique beaucoup plus loin qu’hier, et c’est bien dommage.
D’accord, nos attentes étaient peut-être trop élevées, peut-être un 1600 ISO avec un contrôle du grain amélioré en 35 mm ? Un film noir et blanc plus rapide basé sur le procédé C41 ? XP3 ? Bien sûr, je ne mentionne même pas le film couleur, c’est comme demander un poney pour Noël (alerte spoiler 2 : le film couleur est une chose si incroyablement difficile à fabriquer, sans même parler de la R&D, qu’il est très peu probable que quiconque puisse se lancer dans cette aventure à part Kodak, Fujifilm ou Elon Musk). Nous pensions qu’Ilford pourrait peut-être changer l’eau en vin, mais je crains que nous n’ayons fini avec un soda amer.
*Ce sont les seules images d’exemple officielles que nous ayons jusqu’à présent de l’Ortho Pan 80 en format 120, photographiées par Matt Parry
Un peu de perspective
Je dois l’admettre, nous nous noyons souvent dans nos propres baignoires. Nous croyons que le monde entier est fait de gens comme nous ou proches de nous, mais c’est plus souvent le contraire. Il est clair que la photographie argentique vit une seconde jeunesse (et elle restera probablement éternellement jeune) en se taillant à nouveau une place dans la vie de nombreuses personnes, en particulier chez celles qui ne sont même pas des photographes professionnels.
Au moment où j’écris ces lignes, Kodak est en rupture de stock en raison d’une demande élevée inattendue combinée à une production très conservatrice destinée à être épuisée (vous vous souvenez du chapitre 11 ?). De plus, ils ont signalé qu’Hollywood produit de plus en plus de films en véritable pellicule, ce qui crée une pénurie de matières premières affectant tout le monde.
Alors que, parallèlement, nous voyons de nombreux photographes argentiques professionnels passer au numérique ou à un flux de travail hybride, il n’est pas difficile de déduire que ce que nous voyons réellement en tant que laboratoire n’est peut-être que la partie émergée de l’iceberg argentique du XXIe siècle. Je pense qu’il est important d’en tenir compte si vous lisez ceci.
Alors, qu’est-ce qu’un film orthochromatique ?
Pour faire court, les films orthochromatiques sont ceux qui ne sont pas sensibles à la lumière au-delà du spectre jaune (essentiellement les oranges et les rouges, c’est-à-dire les tons chair).
Ce n’est pas nouveau, en fait c’est quelque chose d’assez ancien. Il y a une raison pour laquelle 99 % des films noir et blanc sont panchromatiques de nos jours, et c’est parce qu’ils sont simplement meilleurs pour restituer le monde tel que nous le voyons. À l’époque, il y a eu un bond en avant technologique majeur dans le domaine du film et les entreprises se sont assurées que vous en étiez bien conscients. Pensez à tous les « P » et « Pan » que vous voyez partout : Fomapan, FP4, XP2, HP5, Pan F 50, Ilfopan, Tri-X Pan, 125PX, Technical Pan, etc. C’est quelque chose qui a bien sûr perdu sa valeur commerciale lorsque tous les films sont devenus panchromatiques, et c’est pourquoi les films Delta, TMax ou TriX ne prennent même plus la peine de le mentionner ; le panchromatique est rapidement devenu la norme pour la photographie noir et blanc.
Alors, le film orthopanchromatique est-il plus sensible à la lumière bleue ? Un gros NON. En gros, les films ortho sont moins (voire pas du tout) sensibles à la lumière rouge. Vous vous demandez encore pourquoi ils ont tous des valeurs ISO si faibles ? Eh bien voilà : ils ont besoin de beaucoup plus de lumière pour restituer quoi que ce soit, car ils ignorent une grande partie du spectre lumineux. Sur le graphique ci-dessus, on le voit clairement ; notez que « Silver Halide Emulsion » représenterait le spectre du collodion au procédé humide.
En fouillant un peu en ligne, vous pouvez aussi trouver de nombreux exemples intéressants à l’ancienne.
Alors attendez, Ilford sort-il une « émulsion handicapée » alors ? (Je ne pense pas que nous ayons besoin d’un roulement de tambour cette fois-ci)
Ilford, je vous aime, mais…Oui, c’est le cas.
Et s’il vous plaît, ne vous méprenez pas, je ne suggère PAS que le monde n’a pas besoin d’un autre film orthochromatique. Plus il y a de films, mieux c’est, cela ne fait aucun doute.
Cependant… est-ce qu’un autre film orthochromatique est ce dont la photographie argentique a besoin en 2019 ?
Pas vraiment sûr de cela.
Pourquoi l’orthochromatique alors ?
Je ne vais pas faire de détour ni de titre racoleur.
Pourquoi ? Acros 100. Tout simplement.
Ce n’est pas une coïncidence si ni l’année ni la saison de l’annonce ne correspondent à la date de la réédition prochaine de l’Acros.
Ce printemps, Fuji est arrivé en ressuscitant l’Acros 100 après avoir augmenté de 30 % les prix de toute sa gamme de films en février ; une gifle et un câlin en très peu de temps.
Peut-être pourrions-nous commencer par nous demander : pourquoi l’Acros 100 et non le Neopan ? À mon avis, parce que c’était le seul orthopanchromatique disponible ces dernières années et que c’était le dernier film que Fujifilm avait arrêté, deux avantages majeurs selon moi qui ont ouvert la voie au retour à la vie de l’Acros.
Et maintenant, Ilford entre en jeu avec une véritable émulsion orthochromatique dans un style très provocateur envers les photographes noir et blanc, et nous sommes tous perplexes. Laissez-moi préciser que quand je dis « nous tous », je parle des gens que je connais et des photographes qui utilisent habituellement les laboratoires photo, qui ne sont d’ailleurs souvent pas des photographes noir et blanc purs et durs ; je pense que c’est aussi un détail important.
Personnellement, cela m’amène à la question de savoir quelle est la taille réelle du marché de la photographie argentique ? Parce que j’ignore totalement la demande pour ce genre de films, et cela me laisse penser qu’il s’agit essentiellement d’une manœuvre pour s’opposer à Fujifilm.
J’aimerais vraiment, vraiment, vraiment penser qu’il y a une demande incroyable pour le film ortho et que c’est pour cela qu’il sort, car le monde de la photographie argentique est déjà assez petit pour ne pas se donner des coups de pied dans le tibia sous la table.
Image fixe de « The Lighthouse »
LE FILM « THE LIGHTHOUSE »
En faisant des recherches sur le film orthochromatique, j’ai trouvé cette interview sur le site principal de Kodak où le directeur de la photographie du film « The Lighthouse » explique qu’ils voulaient ce look orthochromatique dès les premiers jours du film, mais comme il n’est plus fabriqué, la chose la plus proche était le Double-X avec un filtre cyan.
C’est un film qui doit également sortir en octobre et tout cela pourrait être une belle coïncidence. Je pense qu’en y jetant un œil, vous pouvez aussi vous faire une idée de ce à quoi ressemblera probablement le film Ortho lorsqu’il arrivera entre nos mains. Je vous recommande vivement de regarder la bande-annonce :
Et après ?
La suite, je crois, c’est que tous ceux qui stockent des films Ilford dans leurs boutiques commanderont de l’Ortho Plus 80 pour voir comment il se vend. J’espère sincèrement que ce sera le cas, mais je ne mettrais pas ma main au feu pour cela.
Ce que je souhaite pour la suite, pour le bien de la photographie argentique, c’est que Fujifilm s’implique davantage, et s’il doit y avoir une confrontation, allons-y. J’espère que Fujifilm ramènera le Neopan 1600 ou quelque chose dans la gamme 400-800 ISO et sera capable de redonner de l’enthousiasme aux photographes pour amener l’argentique vers de nouveaux horizons. Quel printemps ce serait…
Rêver ne coûte rien. Un film noir et blanc haute sensibilité basé sur le C41 ?
NOTE : Soyons honnêtes, les nouveaux films négatifs couleur sont loin de voir le jour. 4 films sur 5 qui ont été récemment réédités ces dernières années étaient en noir et blanc (et le dernier est de l’E6), alors pour l’instant, concentrons nos rêves sur les émulsions noir et blanc. Du PMax3200 en 120 ?
Je crois fermement que la photographie argentique, en particulier la photographie couleur, est quelque chose que nous tenons souvent pour acquis, et honnêtement, nous ne devrions pas. Surtout de nos jours où l’on a l’impression que n’importe quel étudiant diplômé avec un ordinateur portable et un peu de code peut créer tout ce que nous voulons, gratuitement et avec une application. Être conscient de l’ardue complexité nécessaire à l’existence du film couleur est, je crois, nécessaire. Du moins si vous aimez assez la photographie argentique pour lire ceci.
C’est dans la boîte
Suis-je enthousiasmé par les nouvelles d’Ilford ? Oui.
Était-ce quelque chose que j’attendais en tant que personne voyant des milliers de pellicules être développées chaque mois ? Je crains que non.
Encore une fois, j’espère vraiment, vraiment que je devrai bientôt ravaler mes paroles, mais pour l’instant, je sens que je dois les exprimer en espérant que quelqu’un se souciera assez de lire ceci et me prouvera que j’ai tort lorsque cet automne orthochromatique, étrange et inattendu, sera passé.
Responsable du labo depuis 2013 et actuellement en charge de l’équipe, je développe de nouveaux projets et j’essaie de fédérer la communauté internationale de la photographie argentique. Ce ne sont que mes opinions personnelles ; vous les trouverez peut-être pertinentes, ou pas. Je pense qu’il n’y a rien de plus sain qu’un bon débat 🙂
Nous savons qu’en tant que photographes argentiques, vous disposez de plusieurs possibilités pour numériser vos images, et nous avons certainement parcouru un long chemin depuis notre zone de confort du format M.
Chaque fois que nous avons l’occasion d’améliorer vos options, nous cherchons comment offrir le meilleur de nous-mêmes. Ainsi, depuis quelques mois, nous discutons de la possibilité de faire passer le format XXL à l’étape suivante. Et nous avons enfin quelque chose à vous montrer !
En tant que photographes, nous comprenons l’importance de rechercher le moindre détail, et comme nous portons rarement une loupe sur nous, cette résolution supérieure est idéale pour observer les textures plus fines, la définition et la structure du grain.Donc, en gros, il faut que ce soit une prise de vue parfaite, sinon vous verrez tous les défauts. Sans pression.
Blague à part, la numérisation XXXL élargit l’éventail des possibilités. Elle vous permet également de l’imprimer en plus grand format si vous le souhaitez à l’avenir. Au laboratoire, nous avons effectué nos tests et, très sérieusement, nous venons d’imprimer un impressionnant tirage de 110 x 170 cm à partir de l’image que vous voyez ci-dessous. Et le résultat est magnifique.
Nous savons que rien ne surpasse la numérisation par tambour, mais bien souvent, elle est complexe à réaliser, coûteuse et lente. Elle n’est pas accessible à tous lorsqu’un grand format est nécessaire. C’est là que nous pensons que le format XXXL vient combler ce manque !
Ce service sera uniquement disponible pour les vues individuelles, car il demande beaucoup de temps et nécessite une préparation bien plus longue qu’une numérisation standard.
Nous espérons que cela vous donnera un aperçu de ce à quoi ressemblent les autres résolutions. Les résolutions supérieures sont nécessaires et parfaites pour les impressions en GRAND format, mais n’oubliez pas qu’en photographie, plus grand n’est pas toujours meilleur. Pour nous, en tant que laboratoire, il est important de pouvoir vous montrer les capacités extraordinaires de la pellicule (lorsqu’elles sont nécessaires).
N’oubliez jamais que les numérisations au format M partageront la même palette de couleurs que les numérisations XXXL et que le plus important est de prendre du plaisir en photographiant sur pellicule. Bonnes prises de vue et laissez-nous faire la magie en coulisses !
VOIR LE FICHIER ORIGINAL
Nous sommes tellement impressionnés par les capacités de cette nouvelle résolution XXXL que nous ne voulons pas vous convaincre, mais plutôt vous encourager à télécharger le fichier original et à juger par vous-même 😉
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/XXXL-Newsletter-87-scaled-e1678885146854.jpg7922348carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-17 06:14:222026-04-17 06:14:22Le format XXXL est arrivé !
C’est sans aucun doute l’une des nouvelles les plus importantes pour la photographie argentique depuis que nous nous en souvenons. Redonner vie à un film aussi populaire au format 120 change vraiment la donne pour tout le monde. Pour ceux qui souhaitent se lancer dans le 120 sans trop de difficultés, et pour les professionnels qui ont besoin d’une option économique pour leurs projets personnels ou leurs voyages à petit budget.
Nous avons eu le privilège de tester quelques rouleaux avant le lancement officiel afin de fournir des retours en tant que laboratoire concernant le rendu des couleurs, le développement et la numérisation. Nous sommes ravis de pouvoir enfin le partager avec vous, alors voici notre avis sur le nouveau Kodak Gold 120 ! Le bon, le mauvais et le pire.
PREMIÈRES IMPRESSIONS
En tant que laboratoire, nous pouvons également vous donner un avis sur la sensation et la comparaison du négatif avec d’autres pellicules, ce qui nous semble également important à mentionner. Lorsque vous tenez le négatif déjà développé, si vous avez l’habitude de manipuler des négatifs, vous sentirez sans aucun doute qu’il est plus fin et plus solide que d’autres émulsions. D’après ce que nous avons pu comprendre, il s’agit d’une nouvelle façon de fabriquer la base du film afin de pouvoir le produire un peu plus rapidement et d’accélérer la production.
Ne vous inquiétez pas s’il semble « fragile » au premier abord ; il est solide, et la couleur de l’émulsion est aussi bonne que celle de l’ancienne couche de base plus épaisse 😉
En termes de couleurs, ce film offre ce que vous attendez de notre cher Kodak Gold en 35 mm avec un grand PLUS, le « plus » du format 120.
COULEUR
Nous parlons d’or, et vous devriez vous attendre à de l’or en effet ! La palette de couleurs penchera toujours un peu vers les tons chauds en ce qui concerne la sensation générale de l’image. Mais aussi, si vous êtes un peu plus pointilleux, vous verrez qu’elle penche également vers le côté magenta du spectre lorsque nous parlons de chaleur (rappelez-vous que chaud ne signifie pas seulement jaune, cela peut aussi être magenta ou vert).
Cela dit, ce n’était pas du tout surprenant, d’autant plus que nous l’avons un peu surexposé et que les films de la famille Portra penchent toujours un peu vers le côté magenta lorsqu’ils sont surexposés un peu plus que nécessaire 😉
GRAIN
Le grain est presque inexistant (pour de vrai !), ce n’est que sur les photos fortement sous-exposées que vous pouvez le remarquer un peu, mais si vous l’exposez dans la plage normale, nous doutons que cela vous dérange un jour.
En zoomant, vous le verrez. Donc, bien sûr, il est là, mais nous trouvons qu’il ajoute de la texture plutôt que de distraire votre attention ou de rendre l’image « sale ». Nous avons été vraiment surpris par cela, et nous pensons que les ingénieurs de Kodak ont fait un travail superbe.
Cadre sous-exposé sous lumière artificielle
Recadrage à 100 % d’un scan M (2400 x 2400 px)
(PAS) SEULEMENT POUR LES AMATEURS
Après quelques tests, il y a effectivement une différence de qualité dans la profondeur de couleur que le Kodak Gold 200 120 possède lorsque nous le comparons côte à côte avec le Kodak Portra 400 (le roi de la colline en ce moment). Cependant, ce n’est pas quelque chose que tout le monde remarquera et certainement pas quelque chose de requis pour chaque séance rémunérée.
Ce film sera certainement la pellicule de référence pour tous ceux qui débutent avec le film 120. Cependant, nous pensons que de nombreux photographes professionnels exploiteront ses capacités dès sa sortie et créeront des images époustouflantes avec, même s’il n’est pas aussi flexible que notre cher Portra.
TONS CHAIR
Pour cela, nous avons pu utiliser l’un de nos rouleaux de test avec @paeulini! Nous avons testé le film dans des conditions de ciel couvert en Suisse pour voir comment il réagirait, et les résultats ont été très intéressants.
Le Gold 120 a une bien meilleure capacité à mélanger différentes carnations dans le même cadre si nous le comparons au 35 mm, où tout semble plus plat. Ce qui est vrai, c’est que, encore une fois, il penche vers une tonalité dorée/ambrée dans les carnations, même avec une situation de lumière couverte où la température de la lumière est généralement plus froide. Est-ce bon ou mauvais ? Eh bien, c’est à vous de décider !
Nous sommes impatients de voir comment nos amis des points de dépôt Carmencita à Dubaï et au Japon le photographieront avec toutes sortes de carnations différentes 🙂
PRIX
Oh là là, nous aimerions avoir une réponse ! Mais malheureusement, au moment où nous écrivons ces lignes, nous ne connaissons pas encore le prix final, mais il sera plus abordable que le Portra.
Si nous supposons qu’il y aura une relation de prix similaire, comme nous le voyons en 35 mm, entre le Gold 200 et le Portra 400 (~60 %) ; au moment où nous écrivons ces lignes, les prix du Kodak Gold 200 120 devraient être d’environ 6,90 € (plus taxes), ce qui est une nouvelle fantastique pour toute la communauté du film, à notre humble avis. Croisons les doigts !
NOS CONCLUSIONS
Le Kodak Gold 200 en moyen format comble un vide qui existait depuis des années : une option couleur non professionnelle pour tous ceux qui veulent photographier en film 120 et qui ont un budget limité. Nous avons toujours dit dans nos ateliers, si vous envisagez de photographier en argentique et que vous êtes déjà satisfait de vos résultats avec un reflex numérique, passez au moyen format pour vraiment expérimenter sa magie. Maintenant, plus que jamais !
C’est un film qui repose sur sa réputation et qui fera sourire beaucoup de monde, professionnels et amateurs. En termes de couleurs, il a évidemment quelques limitations et si vous photographiez dans des conditions de lumière très exigeantes, le Portra restera roi ; mais pour le reste, le Gold 200 vous donnera d’excellents résultats et nous sommes sûrs qu’il ramènera les appareils photo moyen format à la popularité (et aidera aussi nos portefeuilles !)
NOTES : Toutes les photos ont été prises avec un Hasselblad 503cx, exposées entre 125 et 200 ISO en lumière naturelle et à l’heure dorée.
https://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Banner-GOLD-200-120.jpg8171500carmencitahttps://carmencitafilmlab.com/wp-content/uploads/Logo-Carmencita.pngcarmencita2026-04-17 06:10:072026-04-17 06:10:11« NOUVEAU FILM » – LE KODAK GOLD 120 EST DE RETOUR !
Manage Cookie Consent
To provide the best experiences, we use technologies like cookies to store and/or access device information. Consenting to these technologies will allow us to process data such as browsing behavior or unique IDs on this site. Not consenting or withdrawing consent, may adversely affect certain features and functions.
Functional
Toujours activé
The technical storage or access is strictly necessary for the legitimate purpose of enabling the use of a specific service explicitly requested by the subscriber or user, or for the sole purpose of carrying out the transmission of a communication over an electronic communications network.
Preferences
The technical storage or access is necessary for the legitimate purpose of storing preferences that are not requested by the subscriber or user.
Statistics
The technical storage or access that is used exclusively for statistical purposes.The technical storage or access that is used exclusively for anonymous statistical purposes. Without a subpoena, voluntary compliance on the part of your Internet Service Provider, or additional records from a third party, information stored or retrieved for this purpose alone cannot usually be used to identify you.
Marketing
The technical storage or access is required to create user profiles to send advertising, or to track the user on a website or across several websites for similar marketing purposes.
Pentax 67ii + Kodak Ektar 100
Canon 1V + Kodak Ektar 100
Contax 645 + Kodak Ektar 100
Contax N1 + Kodak Ektar 100
