UN BACKSTAGE DIFERENTE

Conocemos a Michael Ferire desde hace mucho tiempo; una mañana apareció un paquete con fotogramas sueltos cortados en un viejo álbum de fotos de 10×15 con su nombre, pidiéndonos que hiciéramos lo mejor que pudiéramos. Poco sabíamos que aquello se convertiría en el comienzo de una larga relación. A principios de este año nos envió esta toma que realizó con Stromae y el equipo que está detrás de su marca de ropa Mosaert. Fue una gran toma que combinaba película de 4×5″ con 120 en formato 6×7 y 645, y especialmente iluminada con luces de estudio.

Hace muchos años le preguntamos a Michael en una conversación personal cómo describiría su fotografía, y dijo: «Soy un fotógrafo de backstage». Definitivamente no era la respuesta que podíamos haber anticipado, pero tenía todo el sentido con su fotografía. Michael siempre intenta retratar lo que hay detrás de lo que vemos, quizás su formación en psicología tenga algo que ver con eso y, en este caso, dándole la vuelta al concepto tradicional de no estar presente en la imagen, sino estar presente para mostrar lo que hay detrás; en este caso, detrás de la marca Mosaert.

En sus palabras:

“La paradoja del proyecto: ser visible sin estar demasiado presente

Este proyecto fue un poco loco. La idea era crear imágenes icónicas que pudieran ser la expresión del sello creativo Mosaert (conocido principalmente por el trabajo creativo que realizaron para Stromae, pero también activo en diseño de moda, videoclips y otros proyectos). Para mí, no tenía ningún sentido ser tan preciso en la expresión de la marca y en la coherencia de cada proyecto que realizan sin tener una visión adecuada sobre cómo comunicar sobre el propio equipo.

Presenté, por tanto, un proyecto global basado en la idea de imágenes audaces con una identidad clara, pero sabía que la parte difícil sería asegurar que estas imágenes se mantuvieran en el segundo nivel de comunicación. Mosaert necesita comunicar claramente sobre sus productos y no específicamente sobre ellos mismos. Así que esta sesión debía proporcionar la misma estética pero mantenerse más sutil y discreta.

Inspiración: atemporal y audaz

Trasfondo artístico: Tenía muchas ganas de crear imágenes como lo hace un pintor. Así que decidí buscar inspiración principalmente en el arte y, más concretamente, en el Art Nouveau o el Art Deco. Esta estética ya está muy presente en el ADN de Mosaert y también es representativa de Bélgica, que es otra característica de este proyecto. El trasfondo artístico provino de diferentes fuentes como M.C. Escher y el Art Nouveau en general.

El lugar era muy obvio, ya que queríamos un sitio retrofuturista con un legado muy belga. Con Studio Elementaires (escenógrafos) decidimos ampliar el potencial gráfico del lugar utilizando formas y contraformas para crear una atmósfera al estilo del Atelier Brancusi. La idea era crear una atmósfera muy singular inspirándose en diferentes tradiciones artísticas. Tenía que ser retro y futurista al mismo tiempo.

Para las poses y actitudes, quería algo audaz y neutro al mismo tiempo, lo cual es un desafío. Para mí, estaba claro que teníamos que considerar los cuerpos y los rostros como elementos gráficos en la construcción de las imágenes. Esta solución sería capaz de proporcionar esa «audacia neutra» que buscábamos. Encontré inspiración principalmente en el trabajo de Irving Penn.

Luz y ambiente: Queríamos algo muy limpio para la iluminación. Algo que pareciera natural y sobrenatural al mismo tiempo. Un ambiente a medio camino entre la organicidad de la película y una perfección clínica que podrían ser imágenes en 3D. La misma paradoja que teníamos en las actitudes y poses: esa «audacia neutra». El objetivo, con Julien Charpentier (director de fotografía en la industria del cine), era crear una luz muy suave y atemporal.

También quería trabajar con 4×5 pulgadas, que es un formato que nunca había usado y que parecía muy técnico y arriesgado cuando es tu primer intento. Decidí trabajar con Elliott Verdier (a quien conocí en Traveling Light el año pasado). Sabía que sería la solución perfecta para poder hacerlo sin tener el estrés de todos los aspectos técnicos del gran formato y estar más centrado en la visión y la dirección artística.

Trabajamos juntos como un equipo. Para cada pose, cada idea, disparé primero en 120 usando diferentes encuadres y poses. Al final de mis 2 carretes (Contax 645 + Pentax 67) elegimos con Elliott la mejor opción de entre las que hice y la disparamos en 4×5. Básicamente, aproximadamente 15 ideas diferentes, lo que significa 30 carretes y 15 imágenes de gran formato.”

— Michael Ferire

NOTA DE LABORATORIO

Este fue un desafío emocionante para nosotros porque combinaba dos formatos de película que no se pueden escanear en el mismo escáner: película de 4×5″ y de 120. Con Michael hemos estado trabajando mucho en el Noritsu HS-1800 últimamente porque permite un aspecto mucho más sofisticado, y de hecho es una combinación perfecta para la película de 4×5″, que escaneamos con nuestro Fujifilm FineScan 2750. Ambos escáneres utilizan una tecnología similar, y esto se traduce en archivos más planos que permiten un amplio rango dinámico y explorar diferentes tonalidades. Para esta sesión, dado que se iluminó con un equipo de luces completo además de algo de luz natural, fue un reto equilibrar todas las diferentes temperaturas de luz junto con los distintos tonos de piel. Gracias al amplio rango tonal del Portra, además del escáner, se permitió un gran control y un ajuste preciso por nuestra parte y la de Michael. El resultado es un aspecto muy interesante que es suave y al mismo tiempo tiene mucho volumen gracias al exquisito trabajo de iluminación.