EIN ANDERER BACKSTAGE

Wir kennen Michael Ferire schon lange. Eines Morgens tauchte ein Paket mit einzelnen, in ein altes 10×15 Fotoalbum geschnittenen Bildern auf, mit seinem Namen und der Bitte, das Beste daraus zu machen. Wir ahnten nicht, dass dies der Beginn einer langen Beziehung sein würde. Anfang dieses Jahres schickte er uns diese Aufnahme, die er mit Stromae und dem Team hinter seiner Bekleidungsmarke Mosaert gemacht hat. Es war eine große Aufnahme, die 4×5″ Film mit 120er Film im 6×7- & 645-Format kombinierte und speziell mit Studioleuchten beleuchtet wurde.

Vor vielen Jahren fragten wir Michael in einem persönlichen Gespräch, wie er seine Fotografie beschreiben würde, und er sagte: „Ich bin ein Backstage-Fotograf“. Definitiv nicht die Antwort, die wir erwartet hätten, aber sie ergab im Zusammenhang mit seiner Fotografie absolut Sinn. Michael versucht immer, das darzustellen, was hinter dem steckt, was wir sehen. Vielleicht hat sein psychologischer Hintergrund etwas damit zu tun, und in diesem Fall kehrt er das traditionelle Konzept um, nicht im Bild präsent zu sein, sondern präsent zu sein, um zu zeigen, was dahinter steckt, in diesem Fall hinter der Marke Mosaert.

In seinen Worten:

„Das Paradox des Projekts: sichtbar sein, ohne zu präsent zu sein

Dieses Projekt war etwas verrückt. Die Idee war, ikonische Bilder zu schaffen, die den kreativen Ausdruck des Labels Mosaert (hauptsächlich bekannt für die kreative Arbeit, die sie für Stromae geleistet haben, aber auch aktiv in Modedesign, Videoclips und anderen Projekten) widerspiegeln könnten. Für mich war es völlig unsinnig, so präzise auf den Ausdruck der Marke und die Konsistenz jedes ihrer Projekte zu achten, ohne eine klare Vorstellung davon zu haben, wie man über das Team selbst kommuniziert.

Ich präsentierte daher ein globales Projekt, das auf der Idee kühner Bilder mit einer klaren Identität basierte, wusste aber, dass der knifflige Teil darin bestehen würde, sicherzustellen, dass diese Bilder auf der zweiten Kommunikationsebene bleiben. Mosaert muss klar über seine Produkte kommunizieren und nicht speziell über sich selbst. Daher sollte dieses Shooting die gleiche Ästhetik bieten, aber subtiler und diskreter bleiben.

Inspiration: zeitlos und kühn

Künstlerischer Hintergrund: Ich wollte wirklich Bilder schaffen, wie es ein Maler tut. Also beschloss ich, mich hauptsächlich von der Kunst und genauer gesagt vom Jugendstil oder Art déco inspirieren zu lassen. Diese Ästhetik ist bereits sehr präsent in der DNA von Mosaert und auch repräsentativ für Belgien, was ebenfalls ein Merkmal dieses Projekts ist. Der künstlerische Hintergrund stammte aus verschiedenen Quellen wie MC Escher und dem Jugendstil im Allgemeinen.

Der Ort war sehr offensichtlich, da wir einen retro-futuristischen Ort mit einem sehr belgischen Erbe wollten. Mit Studio Elementaires (Szenografen) beschlossen wir, das grafische Potenzial des Ortes zu verstärken, indem wir Formen und Gegenformen verwendeten, um eine Atelier-Brancusi-Stimmung zu erzeugen. Die Idee war, eine sehr einzigartige Atmosphäre zu schaffen, die sich von verschiedenen künstlerischen Traditionen inspirieren lässt. Es sollte gleichzeitig retro und futuristisch sein.

Für Posen und Haltungen wollte ich etwas Kühnes und gleichzeitig Neutrales, was eine Herausforderung ist. Für mich war klar, dass wir Körper und Gesichter als grafische Elemente bei der Bildkonstruktion betrachten mussten. Diese Lösung würde die „neutrale Kühnheit“ liefern können, nach der wir suchten. Inspiration fand ich hauptsächlich in Irving Penns Werk.

Licht und Stimmung: Wir wollten eine sehr klare Beleuchtung. Etwas, das gleichzeitig natürlich und übernatürlich wirken würde. Eine Stimmung irgendwo zwischen der Organik des Films und einer klinischen Perfektion, die 3D-Bilder sein könnten. Das gleiche Paradox, das wir bei Haltungen und Posen hatten: diese „neutrale Kühnheit“. Das Ziel war es, mit Julien Charpentier (Kameramann in der Filmindustrie) ein sehr weiches und zeitloses Licht zu schaffen.

Ich wollte auch mit 4×5 Zoll arbeiten, einem Format, das ich noch nie verwendet hatte und das bei einem ersten Versuch sehr technisch und riskant erschien. Ich beschloss, mit Elliott Verdier zusammenzuarbeiten (den ich letztes Jahr bei Traveling Light kennengelernt hatte). Ich wusste, dass dies die perfekte Lösung wäre, um es ohne den Stress all der technischen Aspekte des Großformats zu schaffen und mich mehr auf die Vision und die künstlerische Leitung konzentrieren zu können.

Wir haben als Team zusammengearbeitet. Für jede Pose, jede Idee habe ich sie zuerst im 120er-Format mit verschiedenen Bildausschnitten und Posen aufgenommen. Am Ende meiner 2 Rollen (Contax 645 + Pentax 67) wählten wir mit Elliott die beste Option aus meinen Aufnahmen aus und fotografierten sie in 4×5. Im Grunde genommen etwa 15 verschiedene Ideen, was 30 Rollen und 15 Großformatbilder bedeutet.

– Michael Ferire

LABOR-NOTIZ

Das war eine spannende Herausforderung für uns, da es zwei Filmformate kombinierte, die nicht auf demselben Scanner gescannt werden können: 4×5″ & 120er Film. Mit Michael haben wir in letzter Zeit viel am Noritsu HS-1800 gearbeitet, da er einen viel anspruchsvolleren Look ermöglicht und tatsächlich perfekt zum 4×5″-Film passt, den wir mit unserem Fujifilm FineScan 2750 scannen.. Beide Scanner verwenden eine ähnliche Technologie, was zu flacheren Dateien führt, die einen großen Dynamikbereich und die Erkundung verschiedener Tonalitäten ermöglichen. Für dieses Shooting, da es mit einem kompletten Licht-Setup plus etwas natürlichem Licht beleuchtet wurde, war es eine Herausforderung, all die verschiedenen Lichttemperaturen zusammen mit den unterschiedlichen Hauttönen auszugleichen. Dank des großen Tonumfangs des Portra und des Scanners war eine hervorragende Kontrolle und Feinabstimmung von unserer Seite und von Michaels Seite möglich. Das Ergebnis ist ein sehr interessanter Look, der weich ist und gleichzeitig dank der exquisiten Beleuchtungsarbeit viel Volumen hat.