UN BACKSTAGE DIVERSO

Conosciamo Michael Ferire da molto tempo ormai, una mattina è arrivato un pacco con fotogrammi singoli tagliati in un vecchio album fotografico 10×15 con il suo nome e la richiesta di fare del nostro meglio. Non sapevamo che sarebbe stato l’inizio di una lunga collaborazione. All’inizio di quest’anno ci ha inviato questo scatto realizzato con Stromae e il team dietro il suo marchio di abbigliamento Mosaert. È stato un grande progetto che combinava pellicola 4×5″ con 120 in formato 6×7 e 645 e illuminato appositamente con luci da studio.

Molti anni fa abbiamo chiesto a Michael in una conversazione personale come avrebbe descritto la sua fotografia, e lui ha risposto: “Sono un fotografo di backstage“. Decisamente non la risposta che avremmo potuto anticipare, ma aveva perfettamente senso con la sua fotografia. Michael cerca sempre di ritrarre ciò che c’è dietro a quello che vediamo, forse il suo background in psicologia ha qualcosa a che fare con questo, e in questo caso, ribaltando il concetto tradizionale di non essere presente nell’immagine ma piuttosto di essere presente per mostrare ciò che c’è dietro, in questo caso dietro il marchio Mosaert.

Nelle sue parole:

“Il paradosso del progetto: essere visibili senza essere troppo presenti

Questo progetto era un po’ folle. L’idea era di creare immagini iconiche che potessero essere l’espressione del marchio creativo Mosaert (conosciuto principalmente per il lavoro creativo realizzato per Stromae ma anche attivo nel design di moda, videoclip e altri progetti). Per me era un totale controsenso essere così precisi sull’espressione del marchio e sulla coerenza di ogni progetto che realizzano senza avere una visione adeguata su come comunicare sul team stesso.

Ho presentato, quindi, un progetto globale basato sull’idea di immagini audaci con un’identità chiara ma sapevo che la parte difficile sarebbe stata assicurarsi che queste immagini rimanessero al secondo livello di comunicazione. Mosaert deve comunicare chiaramente sui propri prodotti e non specificamente su se stessi. Quindi questo shooting doveva fornire la stessa estetica ma rimanere più sottile e discreto.

Ispirazione: senza tempo e audace

Background artistico: volevo davvero creare immagini come fa un pittore. Così ho deciso di trovare ispirazione principalmente nell’arte e più specificamente nell’Art Nouveau o Art Deco. Questa estetica è già molto presente nel DNA di Mosaert ed è anche rappresentativa del Belgio, che è anche una caratteristica di questo progetto. Il background artistico proveniva da diverse fonti come MC Escher e l’Art Nouveau in generale.

Il luogo era molto ovvio dato che volevamo un posto retro-futuristico con un’eredità molto belga. Con Studio Elementaires (scenografi) abbiamo deciso di amplificare il potenziale grafico del luogo usando forme e controforma per creare un’atmosfera da Atelier Brancusi. L’idea era creare un’atmosfera molto singolare prendendo ispirazione da diverse tradizioni artistiche. Doveva essere retro e futuristica allo stesso tempo.

Per pose e atteggiamenti, volevo qualcosa di audace e neutro allo stesso tempo, il che è una sfida. Per me era chiaro che dovevamo considerare corpi e volti come elementi grafici nella costruzione delle immagini. Questa soluzione sarebbe stata in grado di fornire l'”audacia neutra” che stavamo cercando. Ho trovato ispirazione principalmente nel lavoro di Irving Penn.

Luce e atmosfera: volevamo qualcosa di molto pulito per l’illuminazione. Qualcosa che sembrasse naturale e soprannaturale allo stesso tempo. Un’atmosfera a metà strada tra l’organicità della pellicola e una perfezione clinica che potrebbe essere immagini 3D. Lo stesso paradosso che avevamo negli atteggiamenti e nelle pose: quella “audacia neutra”. L’obiettivo, con Julien Charpentier (direttore della fotografia nell’industria cinematografica), era creare una luce molto morbida e senza tempo.

Volevo anche lavorare con il 4×5 pollici che è un formato che non avevo mai usato e che sembrava molto tecnico e rischioso quando è il tuo primo tentativo. Ho deciso di lavorare con Elliott Verdier (che ho incontrato a Traveling Light l’anno scorso). Sapevo che sarebbe stata la soluzione perfetta per poterlo fare senza avere lo stress di tutti gli aspetti tecnici del grande formato ed essere più concentrato sulla visione e sulla direzione artistica.

Abbiamo lavorato insieme come una squadra. Per ogni posa, ogni idea, l’ho scattata prima in 120 usando diverse inquadrature e pose. Alla fine dei miei 2 rullini (Contax 645 + Pentax 67) abbiamo scelto con Elliott l’opzione migliore tra quelle che avevo fatto e l’abbiamo scattata in 4×5. Fondamentalmente circa 15 idee diverse che significano 30 rullini e 15 immagini in grande formato.

– Michael Ferire

NOTA DEL LAB

Questa è stata una sfida entusiasmante per noi perché combinava due formati di pellicola che non possono essere scansionati sullo stesso scanner, 4×5″ e pellicola 120. Con Michael abbiamo lavorato molto sul Noritsu HS-1800 ultimamente perché consente un look molto più sofisticato, ed è in realtà una combinazione perfetta per la pellicola 4×5″, che scansioniamo con il nostro Fujifilm FineScan 2750. Entrambi gli scanner utilizzano una tecnologia simile, e si traduce in file più piatti che consentono una vasta gamma dinamica e l’esplorazione di diverse tonalità. Per questo shooting, dato che era illuminato con un set completo di luci più un po’ di luce naturale, è stata una sfida bilanciare tutte le diverse temperature di luce insieme ai diversi toni della pelle. Grazie all’ampia gamma tonale della Portra più lo scanner hanno permesso un grande controllo e una messa a punto fine da parte nostra e di Michael. Il risultato è un look molto interessante che è morbido pur avendo allo stesso tempo molto volume grazie al lavoro di illuminazione squisito.